La galleria della castellana VS

2012-02-11T12:05:00.000+01:00

Arte, recupero e riciclo

2012-02-11T12:02:00.000+01:00

Domenica 19 febbraio presso lo spazio Laborars si inaugura il secondo appuntamento espositivo dedicato alla tematica ecologica. Si potranno apprezzare e acquistare oggetti, gioielli, libri d’artista, creazioni di carta e molto altro, realizzati a mano da artisti provenienti da ambiti artistici diversi, ma che da anni affiancano alla loro attività, la pratica del riutilizzo dei materiali di scarto. L’iniziativa, che si concluderà con l’esposizione del 18 marzo, è inserita all'interno del percorso culturale che unisce arte e design al mondo del riciclo ideato e proposto da Comieco (Consorzio Nazionale Recupero e Riciclo degli imballaggi a base cellulosica) denominato “Roma di Cartone". Comieco al Maxxi di Roma, Re-Cycle strategie per l’architettura, la città e il pianeta. Un percorso artistico dedicato a mostre, iniziative culturali ed esposizioni con protagonisti carta e cartone. Tantissime le realtà pubbliche, istituzionali e private coinvolte.

Artisti : Gianna Bentivenga - Maria Pina Bentivenga - Sabrina Carletti - Guido Fauro - Elisa Lobello - Sonia Mazzoli – Simona Vitello – Gloria Tranchida
Con la partecipazione straordinaria di alcuni dei giovanissimi partecipanti ai laboratori del riciclo ”GiocArteBambini”: Marta Calanna, Milena Dalpiaz, Anna Farina, Alessio Piccioni, Gabriele Piccioni

Per saperne di più seguite il link

Sede LABORARS - Via Cupra, 34/b Roma
19 Febbraio 2012
Orari: dalle 10,00 alle 20,00
Ingresso Libero
Info: - 3495574972- laborars@libero.it

2012-02-10T12:19:00.000+01:00

Il fuoco della Natura

2012-02-10T12:17:00.003+01:00

12.02.2012 — 09.04.2012
Salone degli Incanti
Ex pescheria
Trieste
Inaugurazione 11.02.2012
ore 18’00

Il fuoco della Natura, mostra promossa e realizzata dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Trieste, a cura di Marco Puntin e Jonathan Turner, presenta i simboli della forza e della bellezza di Madre Natura al giorno d’oggi, in questo momento di instabilità ambientale e di cambiamenti climatici.

Dipinti, fotografie, sculture, video e installazioni di 82 artisti contemporanei provenienti da 18 diverse nazioni (Australia, Cile, Cuba, Germania, Giappone Gran Bretagna, Israele, Italia, Macedonia, Messico, Paesi Bassi, Polonia, Russia, Slovenia, Spagna, Stati Uniti, Svezia e Svizzera) dove protagonista è la natura nei suoi vari aspetti, dalle prospettive delle grandi distanze geografiche ai macro-ingrandimenti.

In una carrellata di paesaggi spettacolari - dalle foreste pluviali dell’America Latina ai mari artici, dal bush australiano al deserto della California e ancora catene montuose, dalle Dolomiti all’Himalaya al Monte Fuji - gli occhi degli artisti ci mostrano la natura in tutta la sua bellezza, potenza e perfezione, inalterata o posticcia.

La scelta del tema è stata determinata dalla convinzione che la Natura come soggetto rappresenti la mediazione ideale tra il mondo dell’arte e il pubblico spettatore. L’immaginario realistico prodotto dagli artisti contemporanei fornisce una mappa immediatamente riconoscibile del mondo naturale, libero dai cambiamenti della moda o dall’intervento tecnologico dell’uomo.

L’evoluzione ha spesso il proprio ritmo lento, ma l’intervento dell’uomo può essere improvviso, radicale, distruttivo e talvolta permanente. Tuttavia la natura può recuperare in modi sorprendenti. Con Il fuoco della Natura, oltre ai criteri estetici che stanno dietro alla selezione di particolari dipinti, fotografie, installazioni e video, si vogliono evidenziare taluni quesiti etici direttamente collegati alle opere esposte, quali le contraddizioni del consumismo o il dramma delle specie in via di estinzione.

Iniziando da tre paesaggi classici della fotografia in bianco e nero di Ansel Adams, la mostra propone esempi storici di maestri della fotografia come Robert Mapplethorpe, Gianni Berengo Gardin, Franco Fontana e Mario Giacomelli. Proseguendo, l’esposizione si divide in sotto-temi che identificano le sezioni dedicate ai mari, ai paesaggi invernali, ai fiori e ai vulcani (rappresentati in un dipinto di Cristiano Pintaldi, in un’opera lenticolare di Julian Opie e in una fotografia di Nan Goldin).
Considerate le enormi dimensioni dell’ex Pescheria, i curatori Marco Puntin e Jonathan Turner hanno scelto di privilegiare opere di grande formato. I lavori selezionati provengono da importanti collezioni private, gallerie d’arte e, in alcuni casi, direttamente dallo studio degli artisti.

La mostra è stata allestita in un labirinto itinerante ideato in collaborazione con Gian Paolo Venier e Luigi Semerani di ell(E)gi Architecture, Trieste. Il progetto si snoda attraverso tre padiglioni costruiti sotto le putrelle in ghisa del vasto spazio dell’ex Pescheria situato sul lungomare di Trieste. Un padiglione è dedicato al tema degli animali e comprende “ritratti” realizzati con tecniche diverse: uno scimpanzè (Andrew Zuckerman), uno squalo (Robert Longo), un cavallo (Albano Guatti), un serpente (Daniel & Geo Fuchs), dei cervi (Santiago Ydáñez), un chihuahua (Gabriele Bonato), un tonno (Luigi Serafini), dei panda (Antonio Riello) e una Wunderkammer satura di animali impagliati e disegnati (Francesca Martinelli). Un altro padiglione è dedicato alla maestosità dei paesaggi montani: le Dolomiti (Olivo Barbieri, Riccarda De Eccher, Giorgia Fiorio), una montagna sacra del Tibet (Monika Bulaj), i ghiacciai del Cile (Luca Campigotto) e i picchi dell’Argentina (Michael Naj-jar), mentre il terzo è destinato alla proiezione di video di due coppie artistiche, Masbedo e Allora&Calzadilla, questi ultimi hanno rappresentato gli Stati Uniti d’America nel padiglione nazionale durante la Biennale di Venezia del 2011. Le opere video sono tra le poche presenti che considerano la presenza umana, e per questo motivo, il terzo padiglione rappresenta una sorta di passaggio in un ambiente separato e indipendente in cui il visitatore osserva dall’interno, attraverso delle finestre ideali, il mondo esterno e la natura circostante. Al piano superiore dello spazio espositivo, l’Auditorium vedrà la proiezione delle opere video di Alfredo Jaar e Ana Mendieta, provenienti dalla prestigiosa collezione La Gaia di Busca.

Il fuoco della Natura presenta inoltre opere dei maestri americani della Pop Art, quali Robert Rauschenberg, James Rosenquist e Jim Dine, grandi stelle dell’arte britannica come Darren Almond, Mat Collishaw e Marc Quinn, e fuoriclasse come il russo Oleg Kulik, il macedone Robert Gligorov, gli americani Ed Ruscha, Bill Beckley e Andres Serrano, l’olandese Anton Corbijn, i tedeschi Elger Esser e Julian Rosefeldt.

In questi giorni, in cui la maggior parte dei notiziari sull’ambiente parla di criticità ambientali, diverse opere raffigurano la natura che combatte valorosamente. Ne sono esempio la foresta che ricresce lentamente nei luoghi ove furono costruiti gli impianti per i Giochi Olimpici invernali del 1956 a Cortina (Massimo Crivellari), le piante selvatiche che bonificano una casa abbandonata (Stefano Scheda), così come l’imponente lightbox di Giacomo Costa con una giungla che stritola alcune rovine architettoniche postatomiche, opera presentata nel 2009 presso il Padiglione Italiano della Biennale di Venezia.

In collaborazione con le ricerche svolte dai Civici Musei Scientifici di Trieste e dal WWF Trieste (World Wildlife Fund), la mostra prende una posizione decisa su tematiche locali e globali quali l’inquinamento, le specie in via di estinzione e gli habitat che stanno scomparendo.

Consigli per l'ascolto

2012-02-09T13:08:00.000+01:00

Gioco e integrazione

2012-02-08T12:04:00.001+01:00

Le società anglo-americane sono diventate prima della nostra, realtà multiculturali. Non sono mancate le problematiche per l'integrazione degli immigrati nei contesti occupazionali locali e nella stessa società. Gli studi di settore nell'area linguistica degli anni Settanta e Ottanta hanno considerato le motivazioni delle difficoltà maggiori, scaturite dal contatto tra persone appartenenti a culture e costumi diversi.

La lingua di partenza e la capacità di comunicare nella lingua nazionale costituiscono infatti un primo limite. Da sempre i rapporti interpersonali sono facilitati dall'uso di una lingua comune: per capirsi meglio, scambiare informazioni, nozioni, prodotti, sentimenti.

Nel Nord America e in Gran Bretagna gli studi in materia, dal carattere pragmatico e svolti con finanziamenti governativi, hanno indagato il comportamento verbale in gruppi di lavoro composti da immigrati e nativi. Per osservare come nella comunicazione quotidiana emergano facilmente pregiudizi, diffidenze e stereotipi. Di per sé imparare una lingua locale è un processo che avviene grazie alla socializzazione: in famiglia, a scuola e con gli amici. Gli immigrati invece apprendevano la seconda lingua in situazioni di stress e disagio economico.

Altri studiosi hanno osservato l'inserimento scolastico di bambini immigrati in contesti di classe. Courtney Cazden ha rintracciato nel gioco a nascondino un'attività ludica per coinvolgere bambini a seguire schemi e ruoli, e imparare parole nuove. Susan Ervin-Tripp, dopo aver studiato il comportamento di bambini di madrelingua mentre giocavano con bambini figli di immigrati, ha evidenziato come il gioco permetta di imparare per imitazione e senza troppi sforzi dai propri coetanei, fino ad apprendere, in attività più complesse (nel gioco collettivo per esempio), le regole che governano la conversazione e lo scambio della comunicazione, accompagnando i gesti alle parole.

Leonardo e le uova

2012-02-08T08:54:00.000+01:00

La scena ha luogo in cucina.

Il cuoco: Messer Leonardo, ancora qui... Ostinato nel rompere uova. Di questo passo la battaglia di Anghiari per la sala del Maggior Consiglio sarà un gran pasticcio!

Leonardo (levando gli occhi al cielo): Vorrei imparare a creare frittate eccellenti...

Il cuoco: Questo riesce solo ai veri professionisti!

Onestà intellettuale

2012-02-07T10:47:00.000+01:00

La mia generazione ha perso

Giorgio Gaber

This country is difficult

2012-02-04T12:21:00.003+01:00

I mezzi di trasporto sono una chiave della mobilità di un posto. La stasi è un paradosso per mezzi, progettati e destinati al movimento. Traffico ingestibile, macchine su macchine che si moltiplicano a destra e a manca, la doppia e la tripla fila, il far west delle strisce pedonali... Insomma scenari degni di una cloaca, diventati pane quotidiano nei grandi centri urbani.

Solo un mese fa, imbottigliati nel traffico e procedendo come tartarughe su due ruote, ci chiedevamo come si potesse uscire da questo stato di cose. Il traffico, il traffico... è decisamente un mostro da abbattere.

Sempre di recente, viaggiando in metropolitana, un turista che si sincerava della direzione del treno da un passeggero italiano, ha commentato nella sua lingua: “This country is difficult... bad organised”.

Noi presenti non abbiamo battuto ciglio. Impressioni e parole di un viaggiatore.

La filosofia della siesta

2012-02-02T11:30:00.003+01:00

Svincolandosi dai cicli “naturali” - il giorno e la notte, le stagioni, le fasi della vita ecc. -, l'abitante della città si sottomette a un tempo forzato […].

Thierry Paquot, L'arte della siesta

L'arte della siesta è un libro di Thierry Paquot su una pratica passata, molto diffusa presso le popolazioni mediterranee. Nell'era attuale la siesta sembra un'abitudine quanto mai da scongiurare, per non venir meno al ritmo dei processi di produzione e consumo della società moderna.

In questo interessante saggio contro la tirannide del tempo moderno, Paquot, già autore di vari studi sul mondo urbano, insegnante di filosofia all'École d'Architecture di Paris-La Dėfense e all'École nationale des Pontes et Chaussées, rivaluta i vantaggi della siesta/riposo per l'essere umano, abbastanza schiavo dell'orologio.

L'uso dell'orologio si è imposto nell'organizzazione del lavoro salariato e laico a partire dal tempo dei mercanti. Alla fine del XVIII secolo i primi orologi dell'Europa industriale cominciano a diffondersi tra i ceti meno abbienti e a scandire la giornata. L'orologio era così democratico e diffuso che in Inghilterra William Pitt decise di tassarlo. Insomma abitudini da tempi moderni.

L'autore propone anche una serie di rappresentazioni pittoriche della siesta - dal Paese di Cuccagna di Bruegel il Vecchio al Riposo durante la fuga in Egitto di Caravaggio.
L'arte della siesta offre un punto di vista interessante, per riappropriarsi dell'uso consapevole del tempo, non solo perché lavorare stanca, ma anche per ricordarsi di rispettare il ritmo umano, espressione di vitalità.

Il rimedio al freddo

2012-01-31T10:20:00.000+01:00

Un comune effetto del freddo sono le mani screpolate e dalla pelle accartocciata come carta. Per ovviare l'inconveniente esistono i guanti. Per chi dimentica spesso i guanti o non riesce proprio a portarli, in commercio c'è di tutto. Tuttavia trovo il rimedio della nonna imbattibile: ogni sera impacchi di olio d'oliva per pelle di velluto.

Arte Fiera Bologna

2012-01-30T11:08:00.000+01:00

Kaarina Kaikkonen. Having Hope

2012-01-28T11:32:00.001+01:00

Kaarina Kaikkonen. Having Hope
24 febbraio 2012 – 16 aprile 2012
Apertura venerdì 24 febbraio 2012 ore 18.30

Con la personale dell'artista finlandese Kaarina Kaikkonen si apre il nuovo spazio della Z 2O Galleria | Sara Zanin in via della Vetrina 21. Utilizzando abiti usati, portatori anonimi di storie e memoria, che sono l’elemento che maggiormente contraddistingue la sua ricerca, l'artista realizzerà un progetto pensato per l'occasione. Quest'anno vede Kaarina Kaikkonen autrice di lavori per due prestigiose istituzioni di arte contemporanea in Italia, il MAXXI e la Collezione Maramotti.

Il 25 febbraio presso la Collezione Maramotti di Reggio Emilia verrà infatti presentata una grande installazione site specific pensata per la ex fabbrica di abbigliamento Max Mara (ora sede della Collezione). Ad aprile invece nella piazza del MAXXI - Museo nazionale delle arti del XXI secolo a Roma, l’artista realizzerà una seconda grande installazione site specific. Entrambi i progetti nascono con il patrocinio ed in collaborazione con l’Ambasciata di Finlandia a Roma.

A partire dal 2012 la Z2O Galleria sarà co-diretta da Sara Zanin e Micol Veller.

L’artista sarà presente all’inaugurazione.

Foto: Kaarina Kaikkonen. Should I Jump_2011. Courtesy Z 2O Galleria | Sara Zanin

Riso al bergamotto

2012-01-26T14:29:00.000+01:00

INGREDIENTI

Riso per due persone
Un bergamotto
Pepe bianco
Mix di formaggi

Sale

Olio d'oliva
Brodo vegetale

Nel procedimento è consigliabile preparare prima il brodo vegetale a cui aggiungere, a piacimento, foglie di alloro. Il risotto andrà cotto lentamente, versando il liquido in una pentola alta insieme al succo di bergamotto - una metà è sufficiente per dare un sapore agrodolce. Alla fine spolverare con il formaggio e il pepe bianco.

Una visita interattiva ai disegni di Leonardo

2012-01-26T11:37:00.001+01:00

L'informazione globale è una meravigliosa invenzione: attraverso la rete si può accedere a mostre remote che la virtualità rende possibili nonostante la distanza geografica. Ogni tanto mi piace curiosare nella stampa estera e leggere di eventi e fatti che avvengono altrove. Per rompere la monotonia. Stamattina per esempio ho dato un rapido sguardo al sito The Guardian.

Sul sito inglese ho trovato un supporto interattivo spettacolare con spiegazioni del critico d'arte Jonathan Jones ai disegni di Leonardo in mostra fino a febbraio presso la National Gallery, Leonardo da Vinci: Painter at the Court of Milan. Cliccando e scorrendo le pagine del sito, è evidente che dall'arte alla scienza il passo è breve nel genio fiorentino. Leonardo infatti anticipa il metodo galileiano per il modo di procedere nello studio della natura, gettando nuove basi per la conoscenza.

L'eccellenza di Leonardo si esprime in più di un campo: dalla geologia all'architettura (sia Bramante che Michelangelo erano a conoscenza delle sue novità in materia). Gli schizzi contengono annotazioni e disegni su come Leonardo, affascinato dagli effetti del tempo sul corpo, sezionasse cadaveri e approfondisse l'anatomia, descrivendone i particolari e ricorrendo a termini di paragone ripresi dalla natura (il sangue è paragonato ai fiumi e agli oceani, il cervello a... una cipolla). Ci sono anche i disegni di opere militari (fortificazioni) e di ingegneria (una diga per l'Arno). Da non perdere la concessione alla caricatura e al grottesco come pure i disegni che testimoniano la sua attenzione per gli animali. In alcuni suoi scritti, spiega Jones, ha paragonato gli uomini alle scimmie – in contrasto con la visione cattolica e medievale, e ha espresso l'ammirazione per capacità presenti negli animali e mancanti al genere umano.

Interessanti infine le idee sul processo creativo e su un metodo rappresentativo (definito dal critico daydream-drawing) che influenzerà addirittura i surrealisti.
Navigando tra i bozzetti per l'Ultima Cena e un igrometro (termometro per misurare l'umidità dell'atmosfera), si incorre in una stampa che ad occhi moderni può sembrare un vero e proprio logo leonardesco.

Questo è il link del percorso interattivo.

Bevanda di agrumi

2012-01-25T09:33:00.001+01:00

Non c'è niente di meglio della frutta di stagione per iniziare un nuovo giorno, con una nota di colore e profumo agli agrumi.

Non basta che una semplice bevanda analcolica con arance, mandarini e pompelmi per un pieno di vitamine. Il sapore aspro del pompelmo verrà smorzato da un'arancia dolce e da un paio di clementine, senza aggiungere zucchero perché la frutta ne contiene in dosi adeguate già di suo.

L'arancio prende il suo nome dal frutto amaro introdotto per la prima volta in Italia dagli Arabi, mentre ai Portoghesi si deve la diffusione e la coltivazione delle arance dolci provenienti dalla Cina. Il termine risale all'antico sanscrito, dove l'arancio era "il frutto gradito dagli elefanti" (fonte: Dizionario Garzanti).

Dosi per una bevanda
1 pompelmo
1 arancia
2 clementine

Il burlesque come fenomeno di moda e costume

2012-01-23T10:18:00.003+01:00

Trovo che i fenomeni di moda e costume siano molto interessanti da approfondire, quando coinvolgono un pubblico disomogeneo, per età, professione, stile di vita.

Ci sono ormai vari locali in stile burlesque che, insieme allo spettacolo, ripropongono di quel repertorio degli anni Cinquanta i capi di vestiario ora definibili come vintage, la sottile ironia nel gioco della seduzione delle parti, e forse la necessità sociale di spensieratezza di quel periodo storico così difficile, per via di recenti conflitti.

L'impressione è che il new burlesque valorizzi donne normali e terrene con abiti e accessori che si possono ritrovare nell'armadio della mamma e della nonna, soprattutto per chi della moda apprezza la non contemporaneità.

Burlesque. Quando lo spettacolo diventa seduzione di Lorenza Fruci, è un libro che mi riservo di leggere per ripercorrere le tappe dell'affermazione del fenomeno negli anni Novanta, il racconto di come questo genere conservi un legame con il suo passato (negli indumenti, nella scenografia e nella coreografia) e del suo sapersi reinventare, per tornare di nuovo attuale.

Chocolat e La lettera scarlatta

2012-01-20T19:26:00.001+01:00

Chocolat di Joanne Harris è un libro che mi ricorda... un altro libro. Il caso volle che vedessi il film con Juliette Binoche, Johnny Depp e una sempre strepitosa Judi Dench, prima di leggere il libro.

Nelle due varianti Chocolat mi aveva colpita perché mi ricordava La lettera scarlatta di Nathaniel Hawthorne. Certamente sono ambientati in società diverse – quella di un villaggio francese del Novecento il primo, la Nuova Inghilterra del Seicento il secondo... eppure in entrambi madre e figlia sono calate in una realtà che vive sorretta da un comune senso del pudore e del peccato.

Tra moralismo religioso e puritanesimo, la società ritratta impegna i suoi membri ad identificare le presunte minacce e i più probabili veicoli del male, allo scopo di estirpare le radici del vizio.

La cioccolateria aperta da Vianne Rocher, arrivata con la figlia nel minuscolo villaggio nel periodo di Carnevale, viene additata a breve come un luogo di perdizione. La realtà americana de La lettera scarlatta è molto più complessa, per il quadro storico dei primi insediamenti tracciato dall'autore e per lo sguardo aperto sulla perdita dell'innocenza nel Nuovo Mondo.

Cento lire

2012-01-19T09:02:00.002+01:00

Poetry al cinema

2012-01-18T12:01:00.002+01:00

Poetry è un film coreano straordinario che ho visto l'anno scorso. A volte mi succede, in verità più spesso dopo uno spettacolo teatrale, di rimanere perplessa di fronte a un film. Per via del messaggio che trasmette allo spettatore. Così ho bisogno di far sedimentare la cosa.

In Poetry, il regista orientale, Lee Chang-dong, narra con uno stile cinematografico tagliente di una protagonista, affetta da Alzheimer, catturata dalla bellezza della poesia e intenta a fronteggiare un evento drammatico nell'apparente tranquillità della società di provincia in cui vive.

Al ritmo dell'acqua che scorre nel fiume, teatro delle vite sconvolte dei vari personaggi, si susseguono vicende dove predominano l'incomunicabilità domestica tra il mondo adulto e adolescente, e l'isolamento nella malattia, ladra di memoria e parole, a causa della mancanza di una rete sociale e familiare che possano essere di supporto.

In questo senso la tarda passione della protagonista per la poesia (si iscrive a un corso di scrittura quando la malattia avanza) si esprime in un contesto a dir poco ostile. In una realtà moderna e prosaica, nel senso peggiore del termine, la poesia, usata come mezzo per filtrare la bellezza che resiste, viene data per sempre persa.

Tuttavia credo che non sia facile prevedere la fine di un genere, specie se questo è nato insieme al bisogno umano della narrazione. Il film merita davvero di essere visto per gli spunti interessanti e le interpretazioni che ognuno può, a suo modo, cogliere.

Il muffin esotico

2012-01-14T15:23:00.003+01:00

La domenica va distinta dagli altri giorni della settimana in qualche modo: per esempio con un un pranzo in piena tranquillità senza dover scappare da tavola per la fretta di fare altro, assaporando il gusto di avere una pausa. Per rendere ancora più appagante questo giorno meno frenetico degli altri, bisogna concedersi... un dolce. Il mio dolce domenicale è il risultato dell'ennesimo esperimento in cucina che ha richiesto poco tempo e fatica. Ritrovata in credenza la farina di riso ho realizzato questa facile e commestibile ricetta del muffin esotico.

Ingredienti
80 g di farina di riso
80 g di zucchero di canna
2 uova separate
80 g di burro
4 cucchiai di latte
½ bustina di lievito
un pizzico di sale
mix di frutta esotica essiccata (mango, papaia, ananas)
poche gocce di aroma di fiori d'arancio

Tempo di cottura: 30 minuti nel forno a 180°

Nella preparazione bisogna ricordare di separare le uova e montare bene l'albume a neve. Quest'ultimo va incorporato sempre alla fine, insieme al lievito che oggi non ho usato perché... finito.

Cavallucci marini

2012-01-14T09:39:00.001+01:00

Ceramica. Produzione artigianale locale - Gerace

Penne con pomodori secchi, zucchine e capperi

2012-01-13T13:59:00.002+01:00

In pieno inverno non si può certo rinunciare a un primo. Ecco una ricetta veloce e pratica da realizzare in occasioni disimpegnate e per un pieno calorico adatto alla stagione fredda.

INGREDIENTI

(Dosi per due persone)

4 pomodori secchi alla calabrese
2 zucchine
aglio
una manciata di capperi
formaggio (Grana Padano o Parmigiano Reggiano) in scaglie
peperoncino
pepe bianco

olio d'oliva
sale

In una pentola wok o in un tegame antiaderente e profondo mettete a soffriggere, in un filo d'olio d'oliva, l'aglio e le zucchine tagliate a triangolo o dado. A metà cottura aggiungete i pomodori secchi tagliati a fiammifero e pochi minuti prima di spegnere i capperi. Non dimenticate sale e pepe.
Le penne, ultimata la cottura, vanno saltate insieme alle verdure aggiungendo delle scaglie di formaggio.

Matita e carta

2012-01-12T12:41:00.000+01:00

Lo spirito del tempio

2012-01-12T12:37:00.000+01:00

Un tempio non si può reggere su un'unica colonna.

Ago, tela e cucito

2012-01-08T11:27:00.000+01:00

Punto Assisi su tela Aida

Titoli in borsa

2012-01-04T16:10:00.004+01:00

Ci sono letture adatte alle diverse stagioni della vita. Ecco qualche titolo di libri dalla prosa asciutta e limpida che porterei volentieri in borsa.

Ventimila leghe sotto i mari di Jules Verne: un libro per l'infanzia per compiere un viaggio avventuroso dentro un sottomarino, scoprendo le insidie e i misteri sepolti nella profondità del mare.

L'isola di Arturo di Elsa Morante: racconta la vita di un ragazzo nel passaggio dalla magia dell'infanzia fino alla maturità percorrendo la via di mezzo dell'adolescenza. L'opera, ambientata a Procida, offre un affascinante approccio alla crescita, vista con gli occhi di un ragazzo.

L'età del malessere di Dacia Maraini. Il romanzo che ha rivelato il talento di questa scrittrice. Al centro un'adolescente ritratta nella ricerca della propria identità, nel mondo esterno e nella vita di relazione.

Quel che resta del giorno di Kazuo Ishiguro. Un romanzo brumoso e insieme ironico su un inappuntabile maggiordomo inglese fedele alle tradizioni e al dovere che rilegge la sua esistenza come una conseguenza di un modo d'essere.

I Buddenbrook di Thomas Mann. Per soddisfare la passione delle saghe familiari, questo romanzo descrive il mondo borghese dell'Ottocento e i valori a cui era ancorato.

Il gabbiano Jonathan Livingston di Richard Bach. Nel best seller di un pilota il protagonista guida il lettore in un viaggio sulla natura della libertà.

Il miglior caffè italiano si beve ancora a Napoli

2011-12-23T09:53:00.002+01:00

Il caffè è una di quelle abitudini che migliorano la giornata. Nel tran tran quotidiano concedersi una pausa di gusto con questa portentosa e magica tazzina è proprio una meraviglia.
Certo il caffè deve essere di qualità... per non lasciare quel retrogusto di bruciato così spiacevole ai sensi. Prendete Napoli: si può fare una media statistica di tentativi e assaggio di caffè locale in diversi posti. La media sarà inevitabilmente schiacciante e se dobbiamo affidarci a certi picchi ascensionali per decidere sul da farsi (oggi sembra che ogni decisione sia condizionata da questo), allora non resta che concludere che il miglior caffè italiano si beve ancora a Napoli.
A questo proposito ricordiamo due caffè storici e per tutte le tasche come il Gambrinus, frequentato anche da Oscar Wilde, e Scaturchio in zona decumani.

Auguri

All'incanto

2011-12-20T17:18:00.000+01:00

Hanno redarguito l'indifferenza affinché diventasse l'alibi della sopravvivenza.

L'illusione ha saputo intrecciare ghirlande su cui hanno appuntato menzogne.

Il merito ha perso potere d'acquisto, mentre la verità si vende sempre al dettaglio.

EPITAPH

2011-12-20T16:09:00.000+01:00

Beauty

Buried in Rubbish

100 scatti in bianco e nero

2011-12-15T09:14:00.001+01:00

100x100 Roma

“Quando si considera un'esistenza come quella di Roma, vecchia di oltre duemila anni e più, e si pensa che è pur sempre lo stesso suolo, lo stesso colle, sovente perfino le stesse colonne e mura, e si scorgono nel popolo tracce dell'antico carattere, ci si sente compenetrati dei grandi decreti del destino.”

Johann Wolfgang Goethe, Viaggio in Italia, 1815/17

La Roma in bianco e nero delle foto di Marcello Di Donato ha lo stesso sapore di quella descritta da Goethe nel XIX secolo, ciò che cambia è l’occhio che la scruta ed il modo in cui lo fa. 100 scatti per 100 diverse facce della città “eterna”. Da Villa Borghese al Colosseo, passando per le spettacolari Rovine della città antica, ed ancora le piazze e gli edifici di quella moderna, in un itinerario fotografico fatto di spettacolari panoramiche, ma anche di piccoli attimi rubati girovagando per le strade della città.
Marcello Di Donato da la possibilità di vedere attraverso il suo obiettivo scorci impercettibili ad occhi non allenati a cercare il dettaglio.

La mostra sarà inaugurata il 16.12.2011 alle ore 19.00 presso la galleria Hybrida Contemporanea, via Reggio Emilia 32 e sarà in esposizione sino al 18.01.2012.

L'arte del riciclo

2011-12-14T15:33:00.002+01:00

CARTA & CARTONE... a tiratura limitata

Manifestazione Artistica Culturale all’interno del percorso “Roma in carta e cartone” di Comieco al Maxxi di Roma “ Re-Cycle strategie per l’architettura, la città e il pianeta”

Organizzazione: LABORARS

L’Associazione apre il proprio spazio al pubblico, dedicando tre appuntamenti espositivi alla tematica ecologica, rispettivamente nelle domeniche del 18 dicembre, 19 febbraio e il 18 marzo. Nel primo appuntamento si potranno apprezzare e acquistare oggetti, gioielli, libri d’artista, lampade e molto altro, realizzati a mano da artiste provenienti da ambiti artistici diversi, ma che da anni affiancano alla loro attività, la pratica del riutilizzo dei materiali di scarto. Questa iniziativa è inserita all'interno del percorso culturale che unisce arte e design al mondo del riciclo ideato e proposto da Comieco (Consorzio Nazionale Recupero e Riciclo degli imballaggi a base cellulosica) denominato “Roma di Cartone". Comieco al Maxxi di Roma, Re-Cycle strategie per l’architettura, la città e il pianeta. Un percorso artistico dedicato a mostre, iniziative culturali ed esposizioni con protagonisti carta e cartone. Uno spunto per dare un messaggio forte, dimostrando come si può ridare vita alla carta e al cartone, utilizzati in massicce quantità nel quotidiano di ognuno di noi – attraverso la trasformazione in opere uniche di Arte e di Design.

In questa prima data si presentano opere di: Gianna Bentivenga - Maria Pina Bentivenga - Elena Bonuglia - Sabrina Carletti - Elisa Lobello - Sonia Mazzoli – Gloria Tranchida.

LABORARS - Laboratorio Immagine ed Arte
L'associazione Culturale, attiva dal 2003, nasce come studio d’artista e spazio per la diffusione della didattica artistica ispirata alla metodologia di Bruno Munari, organizzata e curata da Sabrina Carletti. L’associazione collabora con istituzioni, gallerie, docenti e professionisti qualificati nelle diverse discipline artistiche e con artisti attivi nella pittura, nelle arti applicate e nel settore della grafica d’arte . Il laboratorio vuole essere una palestra visiva e uno spazio per l’avvicinamento all’Arte Moderna e Contemporanea, attrezzato per fare esperienza degli strumenti e dei materiali inerenti il mondo delle immagini. La sede è un contenitore multifunzionale che si presta periodicamente ad esposizioni d'arte e ai laboratori creativi dedicati alle tecniche e alla manualità. Laborars presta una specifica attenzione alla sperimentazione di nuovi linguaggi artistici e all’utilizzo di materiali di recupero e riciclo con una particolare predilezione per la carta e la cellulosa.

LABORARS - Via Cupra, 34/b Roma
18 Dicembre 2011
Dalle 13,00 alle 22,00
Ingresso Libero

Time will tell

2011-12-07T08:42:00.000+01:00

LipanjePuntin artecontemporanea is pleased to announce Carlo Bach's new project: Time will tell, a solo exhibition curated by Marco Puntin.

Old photographs, objets retrouvés, walls ruined and consumed just by the passing of time, sand flowing out of old objects, these are some of the inspirational elements of his artworks. A very personal interpretation of the concept of time according to Carlo Bach.
Time and consequently memory are fundamental elements in Bach's research while old objects represent the means through which it is possible to unveal at least some of the mysteries hidden by the past.

Dealing with themes such as game and childhood as a starting point for his research Bach has chosen sand as his favourite material to work with. Together with old photographs, prints or pieces of furniture, sand has the power to evoke those memories that otherwise would have been lost with the passing of time.

In the end, recollecting memories becomes a way for interpreting our own times and for reconsidering our approach to the world.

A symbolic old wooden door, losing sand from its keyhole, to be opened on a world of memories is central element to a site specific installation that will be displayed on the occasion of his solo show at LipanjePuntin artecontemporanea.

Carlo Bach was born in Cologne (Germany) in 1967. Since 1999 he has been working for Illy Company, first curating its artistic projects and then as its artistic director (2006).

Letture del tempo

2011-12-07T08:33:00.001+01:00

Time will tell segna il ritorno di Carlo Bach sulla scena artistica da protagonista, con la mostra personale da LipanjePuntin artecontemporanea, a cura di Marco Puntin.

Fotografie, objets retrouvés, pareti screpolate dalla storia e dalla memoria, oggetti antichi e solidi da cui fuoriesce un flusso costante di sabbia: queste sono le opere esposte.

Il tempo, come categoria oggettiva o soggettiva, è stato indiscutibilmente uno dei fulcri su cui si è imperniata la riflessione filosofica di tutti i tempi: a partire dalla concezione ciclica e circolare, legata alle cadenze della natura del mondo pagano, alla rivoluzione agostiniana del tempo lineare, per arrivare alla riflessione degli ultimi secoli, in cui ogni possibilità di cogliere il tempo, come fattore esterno, eterno e immutabile, si disintegra sotto i colpi della soggettività. L’individuo forse per la prima volta nella storia diventa il vero centro dell’universo e la percezione del singolo si assume il significato e la definizione di questo concetto complesso, rimasto indefinibile e sfuggente per secoli. Sant’Agostino nell’undicesimo libro delle Confessioni diceva: Quid ergo est tempus? Si nemo ex me quaerit, scio: si quaerenti explicare velim, nescio (Allora che cosa è il tempo? Se nessuno me lo domanda, lo so. Se voglio spiegarlo a chi me lo domanda, non lo so più). Passando a qualche secolo dopo, troviamo un’idea diversa nelle parole di Italo Svevo: l’individuo quantifica il tempo, declinandolo secondo la propria personalissima comprensione, rendendosi così sola unità di misura di ciò che si può definire passato, presente e futuro.

Per Carlo Bach il tempo, e conseguentemente la memoria, che è recupero del passato secondo una concezione lineare del tempo, non è più inserito nella prospettiva del progresso dei sistemi epistemologici positivi, non è più univoco e monolitico. Diventa così impossibile recuperare i significati profondi che si nascondono nelle pieghe di ciò che ormai è scivolato via nel frenetico scorrere del tempo. L’unica via percorribile è l’archeologia del frammento secondo le parole di Walter Benjamin. Il senso e la verità da un lato non possono più strutturarsi come un sistema ben definito che trova nel passato le proprie fondamenta con l’immediata conseguenza che l’unica significazione possibile è strettamente legata all’hinc et nunc, dall’altro sono una faticosa ricostruzione della mappa dei frammenti che si possono recuperare solo a partire dagli oggetti che da quel passato provengono. Oggetti sottoposti allo sguardo dell’artista, che usa lo strumento del gioco e dell’infanzia per recuperare quelle memorie rese opache dalla distanza che intercorre tra il momento in cui hanno cominciato ad esistere ed il presente.

Lo scorrere del tempo si ritrova anche nella parte materiale e, propriamente materica, della ricerca artistica di Carlo Bach: la sabbia e la polvere di ferro. La prima per il suo essere solida e insieme fragile, uno degli strumenti più antichi con cui veniva misurato il tempo: la clepsamia, o clessidra a sabbia, infatti è stata la misura del viaggio di Magellano per la prima circumnavigazione del globo. Ma anche una delle prime materie con cui l’essere postmoderno viene in contatto, nel giocare con la sabbia, costruire castelli e sogni insieme, e attraverso questo gioco, per la prima volta, nell’infanzia ci confrontiamo con il mondo degli adulti, che è costruzione fisica e mentale, esercizio costante della ricerca di senso.
La mostra è stata realizzata in collaborazione con a.c. artport 1 e con l’adesione della Casa dell’Arte.

English version

Mostre nel segno del Grand Tour

2011-12-05T09:03:00.001+01:00

Pietro Ruffo. Lybia, 2011

Oltre Roma. Viaggi e viaggiatori nei Colli Albani e Prenestini nel segno del Grand Tour
a cura di Claudio Libero Pisano

Robert Barta, Piotr Hanzelewicz, Ginevra Panzetti & Enrico Ticconi

5C5C Rome - Five Cities Five Curatorial Concepts
a cura di
Alberto Dambruoso, Jin Hwang, Jennifer Junkermeier, Clodagh Keogh, Shinnie Kim e Franziska Leuthäußer

Andrea Aquilanti, Jan Bünnig, Bang Geul Han, Osman Khan, Scott Kiernan, Regine Kolle, Mores McWreath, Anders Hellsten Nissen, MeeNa Park, Shanta Rao, Pietro Ruffo, Mauro Di Silvestre, Wolfgang Stiller, Yangachi

Derive. Variazioni qualitative del quotidiano
a cura di Alberto Fiore e Angel Moya Garcia

Roberto Pugliese, Alessandro Sciaraffa, Emiliano Zelada

Colata Room: Lifelong Learning
Filippo Riniolo

III Festival del Cinema Giovanile e Indipendente - Sez. Video Arte
Mariagrazia Pontorno, Serena Zanardi/Alessandro Marzola: ADM, Ambra Pittoni, Marco Salvetti, Fabrizio Sartori, Giovanni Scarfini, Marco Strappato

CIAC, Castello Colonna
Genazzano

Viaggi d'arte

2011-12-05T08:59:00.001+01:00

Filippo Riniolo. Lifelong Learning, 2011

CIAC Museum – Centro Internazionale per l’Arte Contemporanea
Castello Colonna, P.za San Nicola, 4
00030 Genazzano (Rm)
Sabato 17 dicembre - ore 18,00

Il CIAC - Centro Internazionale per l’Arte Contemporanea di Genazzano apre la stagione invernale con un ciclo di 5 mostre che inaugurerà sabato 17 dicembre dalle ore 18 in poi.

La prima, Oltre Roma. Viaggi e viaggiatori nei Colli albani e prenestini nel segno del Grand Tour, vede il CIAC inaugurare un progetto che coinvolgerà, a partire da gennaio 2012, tutti i musei del sistema Museumgrandtour, ognuno coinvolto con la propria specificità. Scopo di questo progetto collettivo è ripercorre quel fenomeno che, tra il ‘600 e l’800, fece del territorio dei Castelli Romani e Prenestini una meta certamente non secondaria rispetto agli interessi che muovevano artisti, intellettuali e nobili d’Oltralpe ad intraprendere il loro “Viaggio In Italia”, titolo omonimo del diario del più famoso fra tutti: Johann Wolfgang Goethe. Gli artisti selezionati rivivono idealmente questo viaggio attraverso tre lavori che, declinandosi dall’installazione, al video, alla pittura, si offrono come una riflessione sull’ esperienza del Grand Tour.

Il secondo progetto è promosso in collaborazione con Incontri Internazionali d’Arte: trattasi della collettiva itinerante 5C5C - Five Cities Five Curatorial Concepts, già ospitata presso la Sangsangmadong Galery di Seoul a luglio scorso e che, dopo la tappa di Genazzano, proseguirà per Berlino, New York e Parigi.
La mostra presenta le opere di 14 artisti selezionati da sei curatori che lavorano in ognuna di queste città.
Unendo cinque concetti curatoriali diversi essa indaga la pratica artistica nella convinzione che la prevalente scena contemporanea sia determinata proprio dal rapporto tra un globale sempre più preponderante e gli innesti locali e individuali che non possono restar taciuti. Le linee curatoriali berlinese e italiana indagano una problematica tutta europea, quella del rapporto tradizione – innovazione, allineado la storia dell'arte delle città con le opere dei suoi artisti contemporanei. Parigi ribadisce l’insostituibilità di una pratica artistica individuale a fronte del proliferare di movimenti e tendenze comuni. Infine New York e Seoul si confrontano rispettivamente con il tema dell’ambiguità, figlia dall’attuale situazione socio-economica americana, e con il concetto di “tutto” che, nel concept curatoriale coreano, non è considerato una somma indistinta ma un’unione di elementi dove ognuno mantiene la sua autonomia.

Derive. Valutazioni qualitative del quotidiano parte da uno spaesamento in grado di innescare un percorso creativo. L’evento si sviluppa a seguito di una residenza svolta a Roma e Genazzano in cui gli artisti, sradicati dai propri ambienti quotidiani, si sono posti in condizione ricettiva verso stimoli non consueti. Il progetto espositivo nasce proprio dalla traduzione degli input acustici, visivi e ambientali vissuti durante le residenze, in tre installazioni che vedono nel linguaggio sonoro il mezzo attraverso il quale poter riconsiderare la propria percezione dello spazio espositivo. Il risultato sarà un “luogo singolare".

La Colata Room, spazio espositivo nel cortile destinato a giovani artisti, ospita per questa occasione Lifelong Learning. Una scritta al neon denuncia un mercato del lavoro che costringe i giovani (e non più) a una condizione di apprendistato permanente.

Dopo il concorso estivo nato in collaborazione con l’associazione culturale Spazi Concettuali, Il III Festival del Cinema Giovanile e Indipendente torna al CIAC con la proiezione del video vincitore e dei 6 finalisti.
Nella stessa serata dalle ore 17.30 l’appuntamento è con Da Donne a Donna, il festival itinerante dedicato alle indiscusse personalità della scena culturale internazionale.
L’evento, organizzato dall’associazione Muovileidee con il contributo della Provincia di Roma, proporrà per questa occasione un omaggio a Grazia Deledda e Matilde Serao, tra parole e musica.

Periodo
17 dicembre – 19 febbraio

Orari
Sabato – domenica
10.00 – 13.00
16.00 – 19.00
venerdì su appuntamento, chiuso il 25 e il 1 gennaio.
Il pomeriggio di sabato 24 e 31 dicembre su appuntamento.
Ingresso gratuito

Mario Airò. LING

2011-12-03T11:47:00.002+01:00

Mario Airò. LING

Mario Airò
LING

6 dicembre 2011 – 28 gennaio 2012
Inaugurazione: Martedì 6 dicembre 2011, ore 19.00

Galleria S.A.L.E.S.
via dei querceti 4/5 Roma
www.galleriasales.it

Il titolo è stato preso da un ideogramma cinese che ho trovato in un Canto di Ezra Pound. Il Canto inizia con l’ideogramma, la sua trascrizione fonetica inglese (ling) e la frase “Our dynasty came in because of a great sensibility”.
Mario Airò

In questa sua personale romana, Mario Airò espone una serie di opere dove la carta assume un ruolo da protagonista. Carta come materiale e supporto per realizzare una serie di articolate installazioni. Tutti i lavori in mostra hanno infatti la carta come materiale e il disegno come referente.

Mario Airò, artista nato a Pavia nel 1961, ha iniziato la sua formazione artistico-culturale frequentando le lezioni di Luciano Fabro all’Accademia di Belle Arti di Brera. Insieme ad altri artisti della sua generazione da vita nel 1989 allo spazio espositivo autogestito di via Lazzaro Palazzi e alla rivista Tiracorrendo. Tra i gruppi milanesi nati in quegli anni, più degli altri, quello di via Lazzaro Palazzi si distingue in modo particolare trovando riscontro anche a livello internazionale sia per aver una sede in cui organizzare delle mostre sia perché pubblica una rivista su cui dibattere le proprie posizioni poetiche.

Il lavoro di Airò è basato soprattutto sulla ricerca poetica dove “sempre mi sembra che sappia parlare di una bella felicità, non tormentata perché capace di proteggersi da ogni eccesso di stimolo” (Angela Vettese).

Mario Airò e la Galleria S.A.L.E.S. desiderano ringraziare Stuart Robertson della Woollard & Henry Ltd Scotland e Sabrina Bacchetti, di Fabriano per il loro supporto nella realizzazione della mostra. La carta utilizata per le opere è stata prodotta da Cartiera ARTEM in Fabriano.

Tra le mostre collettive più importanti di Mario Airò, ricordiamo: Il confine evanescente, curated by MAXXI B.A.S.E. with Anna Mattirolo, Gabriele Guercio and Andrea Cortellessa, MAXXI - Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, 2011; La collezione attiva, Museion, Bolzano, 2011; Spazio. Dalle collezioni d’arte e d’architettura del MAXXI, (ex. cat.), curated by P. Ciorra. A. D’Onofrio, B. Pietromarchi, G. Scardi, MAXXI - Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, Roma, 2010; La scultura italiana del XXI secolo, (ex. cat), curated by M. Meneguzzo, Fondazione Arnaldo Pomodoro, Milano, 2010; Linguaggi e Sperimentazioni. Giovani artisti in una collezione contemporanea, (ex. cat), curated by Giorgio Verzotti, Mart, Rovereto, 2010; Libri d’artista dalla collezione Consolandi. 1919-2009, curated by Giorgio Maffei e Angela Vettese, Palazzo Reale, Milano, 2010; Tutto è connesso. Ricerche e approfondimenti nell’arte dell’ultimo decennio attraverso la collezione, curated by Beatrice Merz, Castello di Rivoli, Rivoli, 2010; Il Museo Privato. La passione per l’arte contemporanea nelle collezioni bergamasche, (ex. cat), curated by G. Di Pietrantonio and M. C. Rodeschini, GAMeC, Bergamo, 2010; Terre Vulnerabili #1 - Le soluzioni vere vengono dal basso, curated by Chiara Bertola e Andrea Lissoni, Hangar Bicocca, Milano, 2010.

Fotografia di oggetti comuni

2011-12-03T09:39:00.000+01:00

SERGIO SCABAR. Nel silenzio della luce, 2011

Cidinôrs
Museo Etnografico del Friuli, via Grazzano 1 - Udine
4 Dicembre 2011 - 8 Gennaio 2012
Inaugurazione: 4 Dicembre 2011 ore 17.00

“La fotografia di Sergio Scabar è una fotografia di oggetti e in questa particolare circostanza entra in silenziosa ma eloquente relazione con gli oggetti conservati nel Museo Etnografico del Friuli. Il rapporto che le immagini elaborate dall’artista goriziano intendono costruire con i documenti della cultura materiale friulana non è di tipo illustrativo o descrittivo quanto piuttosto analogico e metaforico: il fine che ci si prefigge è quello di far scaturire un’opportunità di ulteriore riflessione sul senso più autentico degli oggetti esposti così come su quello degli oggetti rappresentati in una relazione stretta, e quanto mai necessaria, tra passato e presente, tra storicizzazione e urgenza della contemporaneità. Le fotografie di Scabar, elaborate su toni bassi e profondi grazie a raffinate tecniche di sviluppo e stampa che le rendono uniche, si inseriscono con discrezione tra i materiali in esposizione e volutamente quasi si mimetizzano nel contesto. Sarà compito del visitatore attento scoprirle sala dopo sala e soprattutto riconoscere in esse un invito ad andare in profondità oltre ogni apparenza, a saper vedere oltre la soglia minimale della percezione, a riflettere sullo scorrere del tempo e di tante esistenze che proprio negli oggetti più umili e cari hanno lasciato traccia delle loro occupazioni, dei loro affetti e dei loro sogni. Tutto ciò non certo nel segno di un’acritica e sentimentalistica nostalgia, quanto piuttosto nella consapevolezza che l’arte ha senso proprio perché ci offre un’occasione di meglio comprendere la vita.”

Angelo Bertani

In occasione dell'inaugurazione della mostra fotografica Cidinôrs di Sergio Scabar, interverranno l’Assessore alla Cultura del Comune di Udine Luigi Reitani, il critico d’arte Angelo Bertani, il ricercatore Angelo Floramo e l’artista fotografo Sergio Scabar; verrà inoltre proiettato il video Silenzi di luce di Walter Criscuoli.

Gli scatti mostrati rappresentano prevalentemente oggetti comuni del Friuli; la mostra si sviluppa nelle diverse sale del Museo, lungo il percorso museale, quasi a confondersi con gli stessi oggetti esposti.

Nozioni di igiene

2011-12-03T09:28:00.000+01:00

MANUEL FANNI CANELLES
Senza tela. Nozioni di igiene

Teatro dei Fabbri
via dei Fabbri, 2/a
Trieste

Sabato 3 Dicembre 2011 ore 21

Senza tela. Nozioni di igiene è un progetto di teatro contemporaneo realizzato dallo Studio Openspace nell’ambito delle attività dell’Accademia Teatrale “Città di Trieste”, la scuola di teatro della cantina.

Il progetto dello Studio Openspace fa parte di una rosa di attività promosse dal Comune di Trieste/Assessorato alla Cultura, in collaborazione con LipanjePuntin artecontemporanea, Gruppo Immagine e Fvg Futura, sostenute dalla Regione FVG e della Provincia di Trieste, e si inserisce come anteprima nell’ambito del progetto espositivo promosso dal Comune di Trieste Il fuoco della Natura in programma a gennaio presso il Salone degli Incanti.

Partendo dall’arte figurativa, in particolare dal dipinto La Zattera della Medusa di Géricault, il regista Manuel Fanni Canelles ritorna al codice teatrale attivando un transito di comunicazione tra le varie esperienze della fruizione contemporanea.

Il corpo è diventato il centro di tutti i poteri, l’oggetto di tutte le nostre aspettative, perfino quelle di salvezza. Dal controllo sul cibo all’utopia dell’eugenetica, il camuffamento, la protesi, la maschera, l’estensione sono diventati la conditio sine qua non dell’uomo. Ma in quale misura l’incessante ricorrere alle modifiche sul proprio corpo ci rende capaci di accettare i limiti della nostra condizione? Si tratta di un mero espediente per ottenere maggiori garanzie di sopravvivenza, regalandoci l’illusione di una vita eterna?

Il progetto analizza il rapporto tra intervento visivo e linguaggio corporeo, raccontando con sottile ironia la provvisorietà della condizione umana, il culto dell’apparire, l’insicurezza, e sottolinea le conseguenze dell’abuso di queste tecniche sull’ambiente naturale.

Senza tela. Nozioni di igiene vede l’interpretazione di Daniele Tenze e la partecipazione degli allievi dell’Accademia “Città di Trieste”, al loro debutto sulla scena. “Non si può parlare ancora di rappresentazione”, spiega il regista Fanni Canelles, “abbiamo lavorato all’idea di un allestimento, di un progetto on stage durante il quale lo spettatore ha la possibilità di intervenire sulle tematiche attraverso proposte, critiche, sollecitazioni. L’obiettivo che ci siamo prefissati è di instaurare un dialogo creativo tra operazione culturale e cittadinanza”.

Lo spazio scenico dei Fabbri viene trasformato grazie agli interventi luce di Daniele Trani, direttore della fotografia di documentari e lungometraggi, e con l’utilizzo di video installazioni applicate alla scena teatrale.

La drammaturgia del progetto è curata da Omar Soffici e Manuel Fanni Canelles, mentre la scenografia è di Studio Openspace a cura di Davide Apollonio.

Rosa Parks e il coraggio di cambiare

2011-12-01T19:02:00.001+01:00

Rosa Parks era una donna nera di 42 anni vissuta negli anni della segregazione razziale nella nazione che oggi ha un presidente di colore. Il primo dicembre del 1955 salita su un autobus, Rosa Parks andò a sedersi in uno dei posti di solito riservato ai bianchi. Alla richiesta di alzarsi per far sedere un passeggero bianco, Rosa disse "no". Un "no" che ha cambiato la storia di un Paese.

L'autobus di Rosa pubblicato da Orecchio Acerbo in collaborazione con Amnesty International è un libro illustrato che racconta la storia di Rosa Parks attraverso le parole di un nonno al nipote, per insegnare ai più giovani a saper guardare avanti e non abbassare lo sguardo davanti alle comuni ingiustizie e prepotenze.

Le lettere di Penelope

2011-11-30T09:06:00.002+01:00

La raccolta delle Eroidi – cioè lettere di eroine - fu scritta da Ovidio, il poeta latino nato a Sulmona, disinteressato alla politica e condannato per ragioni oscure dall'imperatore Augusto a morire in esilio sul Mar Nero.

Il genere romanzato di lei che scrive a lui e viceversa non è infatti un'invenzione così recente. Il carteggio classico, scritto da Ovidio, poeta delle famose Metamorfosi, usa un'invenzione letteraria quale la lettera.

Le lettere di Penelope e altre eroine del mito classico sono una risposta ad anni di austerità morale e di costume sessuale tipici dell'età augustea, come pure la versione, a volte ironica e parodiata, di grandi drammi di coppia e di famiglia.

Fatta eccezione per Saffo (unico personaggio realmente esistito), nelle altre lettere troviamo protagoniste letterarie indiscusse del mondo classico. Possiamo incontrare Penelope che scrive al coraggioso Ulisse, molto preoccupata che quest'ultimo al ritorno trovi a casa una donna diventata vecchia. Della bellissima Elena, figlia dell'unione di Giove e Leda, moglie di Menelao e causa scatenante di una guerra, Ovidio ci consegna due lettere: quella dell'eroina e quella di Paride. In essa la ritrosia e l'incertezza della bella Elena, dovute in gran parte al timore di macchiare il proprio onore, viene vinta dalla soluzione del rapimento, molto in voga a quei tempi. Paride, a sua volta, fa leva sulla civetteria femminile, scrivendo a Elena che una donna bella non può aspirare ad essere casta e virtuosa.

Non mancano i risvolti psicologici nei personaggi di questa raccolta e le conseguenze che coinvolgono anche gli altri. Mentre Elena si arrende al corteggiamento di Paride, la lettera di Ermione, sua figlia, racconta la condizione e il senso dell'abbandono.
Non mancano lettere che riportano legami difficili da accettare e vivere nella società ellenica, dovuti a incesto o adulterio. Una lettura in compagnia di Medea, Arianna e altre donne sedotte da Achille, Ercole ed Enea.

Qualcosa da ascoltare: Women for Peace

2011-11-29T18:54:00.001+01:00

Women for Peace
Martedì 6 dicembre, ore 18.00
Palazzo Valentini, Roma
Ingresso libero

Il concerto Women for Peace - La Pace ha il volto delle donne in Africa avente come protagoniste le donne dell’Africa e della diaspora, intende celebrare le donne africane vincitrici del Premio Nobel per la Pace 2011.

L'evento, organizzato dalla Presidenza della Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università Roma “Tor Vergata”, in collaborazione con Stato Maggiore della Difesa, Walking Africa, Gender Interuniversity Observatory e patrocinato dalla Presidenza del Consiglio Provinciale di Roma, è a cura della prof.ssa Donatella Caramia, professore di Neurologia e docente in Psicologia della Musica presso l’Università degli Studi di Roma “Tor Vergata”, autrice delle musiche in programma.

Ad aprire il concerto ci sarà il gruppo di ottoni della banda musicale della Marina Militare Italiana. In programma musiche eseguite da un Ensemble composto da Alexandra Stefanato-Violino, Silvia Petracchi-Violoncello, Augusta Giraldi-Arpa, Massimo Spada-Pianoforte, e dalle musiciste con le “stellette” della banda musicale della Marina Militare Italiana, Manuela Tiberi-Flauto, Milena Marra-Oboe, Roberta Coco-Corno Inglese, Silvia Basilici-Percussioni.

Un concerto che si propone di condividere valori di democrazia, rispetto, cultura e armonia.

Vedute e paesaggi del Grand Tour in mostra

2011-11-24T13:29:00.000+01:00

RICORDI IN MICROMOSAICO
Vedute e paesaggi per i viaggiatori del Grand Tour

a cura di Chiara Stefani

Roma, Museo Mario Praz
16 dicembre 2011 – 10 giugno 2012

Inaugurazione giovedì 15 dicembre ore 18.00

Ravenna, Museo d’Arte della città di Ravenna
29 giugno – 16 settembre 2012

RICORDI IN MICROMOSAICO. Vedute e paesaggi per i viaggiatori del Grand Tour è il titolo della mostra, curata da Chiara Stefani, che sarà inaugurata giovedì 15 dicembre al Museo Praz. Saranno esposti circa quaranta oggetti di differenti tipologie (quadri da parete, tabacchiere, placchette, gioielli), tutti realizzati in micromosaico.

Tra la seconda metà del Settecento e l’inizio dell’Ottocento, tale tecnica, al pari delle arti grafiche, e in particolare della litografia, divenne un vettore insostituibile nella diffusione delle vedute più celebri ricercate dai viaggiatori stranieri lungo le rotte del Grand Tour. Protagonisti di questa nuova arte furono i mosaicisti dello Studio Vaticano, i quali, ormai privi di occupazione dopo aver completato la decorazione musiva della Basilica di S.Pietro, seppero sfruttare le potenzialità commerciali della nuova tecnica. Attraverso l’uso di tessere minute, infatti, essi realizzarono oggetti di formato ridotto, facilmente trasportabili e particolarmente adatti a perpetuare la memoria dei luoghi visitati. Un gran numero di scatole, tabacchiere, gioielli in micromosaico affiancarono riproduzioni di statue in biscuit, piccoli bronzi, porcellane e incisioni, arricchendo notevolmente l’industria dei souvenir.

Le opere esposte, in gran parte inedite, provengono da collezioni private italiane e straniere, dal Museo Napoleonico e dai Musei Vaticani; oltre a documentare la diffusione di queste particolari vedute della nostra penisola, rivelano l’influenza duratura, tra Sette e Ottocento, della tradizione del paesaggismo classico seicentesco, nonché aspetti romantici e talvolta pre-simbolisti. Vedute con rovine prima, paesaggi di gusto pittoresco e romantico poi, divennero i soggetti più frequenti trattati dai mosaicisti romani. La loro fiorente produzione contribuì a trasporre le vedute di dominio pubblico in una dimensione di fruizione privata.
Dopo la tappa nella capitale, la mostra proseguirà al Museo d’Arte della città di Ravenna dal 29 giugno al 16 settembre 2012.

Il catalogo, pubblicato da De Luca Editori d’Arte a cura di Chiara Stefani, offre in appendice, come importante strumento di consultazione, una tabella notevolmente aggiornata con l’elenco delle citazioni – tratte dalle fonti antiche – di tutti i mosaicisti in piccolo, dei loro ateliers o dei negozi di appartenenza, redatta anche grazie al materiale che l’Archivio Storico dell’Università e Nobil Collegio degli Orefici Gioiellieri Argentieri dell’Alma Città di Roma hanno cortesemente messo a disposizione.

Sede
Museo Mario Praz, Via Zanardelli 1, Roma

Orari di apertura

Martedì-domenica 9-14 e 14.30-19.30.
Ultimo ingresso consentito un' ora prima della chiusura.
Visite accompagnate di 45 minuti, ogni ora, per non più di 10 persone.
Per prenotazioni e richieste visite guidate telefonare direttamente al museo.
Chiusura il lunedì
Biglietto gratuito

Storia di cavallette, bambù e germogli di soia in cucina

2011-11-23T18:58:00.002+01:00

Una tartaruga deposita mille uova senza che nessuno lo venga a sapere; una gallina ne deposita uno e lo viene a sapere tutto il paese.
Proverbio cinese

La cucina è un'ottima via per raggiungere un paese o perlomeno farsene un'idea. Non è un invito per approfittare del ristorante cinese sotto casa bensì un suggerimento di lettura per chi fosse interessato all'argomento. In Il riso non cresce sugli alberi Bamboo Hirst offre ai più curiosi in fatto di tradizioni popolari e storia di cucina, una raccolta di pietanze che dalla Cina giungono direttamente fino a noi. In questo viaggio di costume e gastronomia la scrittrice unisce i sapori dell'infanzia e quelli dell'età adulta, spiegando come siano cominciati usi e costumi della sua terra che lei stessa conserva in parte nella sua vita attuale (l'autrice vive e lavora a Londra).

Come superare il pregiudizio culinario al solo pensiero dei cinesi che si nutrono di cavallette? O l'idea che sia abitudine ben accetta mangiare rumorosamente, talvolta nello stesso piatto con una non celata voracità? Le differenze con i pasti occidentali si sprecano... ma sono motivate. Le cavallette, per esempio. Fu un imperatore a incitare il popolo cinese a nutrirsi di questo animale di fronte all'invasione massiccia, per trovare e sfruttare il lato positivo di quella che per la stragrande maggioranza della popolazione contadina fu una catastrofe (628 d.C.).

La scelta delle ricette non distingue tra i nostri usuali primi, secondi e contorni (i cinesi presentano tutto in un sol colpo), fatta eccezione per i banchetti più formali dove il pasto è anticipato da prelibatezze che placano la fame. La cucina riflette la religione, la filosofia del Tao, la tradizione popolare con piatti poveri dalle origini contadine e la storia del popolo della grande Muraglia. Ci sono letture fantastiche su gamberi ubriachi, zuppe di nidi di rondine fatte con nidi costruiti con le alghe della rondine che emigra dall'arcipelago della Malesia, mentre la carpa è il pesce preferito dalla tradizione per il suo sapere nuotare controcorrente, riprodotto così anche nei dipinti di porcellane come simbolo di coraggio, prima che si trasformi in un dragone.

Rosa sul portale

2011-11-22T11:08:00.001+01:00

Gerace. Chiesa di San Francesco - Portale arabo-normanno (1252)

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Giallo sul campanile

Il peso di una farfalla

2011-11-19T16:27:00.000+01:00

La rarità di specie che vivono lontane dall'ambiente abitato può essere motivo di racconti e storie affascinanti sul comportamento animale, sulle differenze delle leggi che esistono in natura per la sopravvivenza, sulle reazioni degli animali dettate dall'istinto e da un codice naturale che sfugge alla complicazione delle parole.
Il peso della farfalla (2009) è un racconto di Erri De Luca sul paragone/sfida tra un re terreno “minore”, il cacciatore, e un re delle altitudini e dei precipizi come il camoscio.
Nel mese di novembre i camosci, che percorrono in gruppo il territorio circostante su vette molto alte, affrontano l'aquila e l'uomo, in natura loro nemici mortali e riconoscibili. Sono abituati a scontrarsi tra di loro in duelli, per l'accoppiamento o il dominio, però le regole sono sempre altre rispetto a quelle degli uomini in guerra.
Il re dei camosci protagonista della storia di questo breve libro regna incontrastato tra gli altri maschi del branco da più di venti anni. Secondo una traiettoria in parte segnata e già scritta nel loro destino, l'uomo e l'animale si incontreranno in un giorno perfetto.
Due vite diametralmente opposte e solitarie si incrociano, toccate entrambe dal battito spezzato e leggero di una farfalla.

Personaggi fantastici e immaginari

2011-11-18T19:34:00.000+01:00

I personaggi fantastici e immaginari abbondano nella tradizione, nella mitologia e sono spesso protagonisti di tante locali superstizioni. Il libro degli esseri immaginari di Jorge Luis Borges apre ai lettori un panorama di fate, draghi, elfi, gnomi, giganti, valchirie e tante altre figure che popolano l'immaginario più o meno comune dalla notte dei tempi. Tra le divinità minori si può scoprire che le millenarie fate sono comuni a greci, eschimesi e pellirosse.
Gli gnomi devono il loro nome all'alchimista svizzero Paracelso che gli attibuiva il potere di individuare il punto esatto in cui erano conservati oggetti preziosi.

In diverse epoche la mitologia ha proposto esseri dalla bellezza strana e bizarra che può sfociare anche nel mostruoso o nella deformazione. Un pò angeli e un pò demoni, le figure fantastiche descritte da Borges sembrano esorcizzare gli incubi che l'umanità si tramanda.

Un vero sogno invece per quanti/e (vogliamo contemplare entrambi i casi) svolgono faccende domestiche sono i brownies. Non sono dolci bensì piccoli uomini dal color cioccolato che, secondo la tradizione scozzese si occupano di riassettare la casa quando i proprietari... dormono. Robert Louis Stevenson raccontava di aver messo a servizio il suo brownie personale per avere suggerimenti letterari mentre scriveva un'opera fantasiosa come Doctor Jekyll e Mr Hyde.

Bramante per il teatro

2011-11-16T12:18:00.001+01:00

Bramante è tra gli architetti del Cinquecento ad aver lasciato un'impronta moderna nel recupero del classico, tipico del pensiero rinascimentale. Dopo essere stato a servizio di Ludovico il Moro a Milano, fu l'architetto che sotto il pontificato di Giulio II seppe dare un valore universale ad opere rappresentative anche del rinnovamento urbanistico romano (G. C. Argan, Storia dell'arte italiana). Nella sua formazione e nell'opera non mancano tracce dell'influenza di Vitruvio come pure del confronto con i suoi noti contemporanei.
L'aspetto illusionistico e scenografico del rappresentare ha avuto un ruolo nell'architettura, così come emerge negli spazi di palazzi e monumenti di varie epoche. Raggiungendo talvolta esiti spettacolari.
Lontano dal centrale cantiere romano di inizio Cinquecento, Donato Bramante progettò un ninfeo - in epoca romana il ninfeo era un luogo di ritrovo a pianta centrale, simile a una grotta, in genere dedicato alle Ninfe. Il ninfeo di Bramante si trova nei giardini di Genazzano, parte del territorio dei Colonna in quel periodo. Con grande sorpresa, su un manto d'erba quello che oggi appare come un insieme di ruderi mantiene la struttura di un complesso che l'architetto progettò per rappresentazioni teatrali con tanto di palcoscenico definito da una rinascimentale serliana – la finestra a tre aperture che prende il nome dall'architetto Sebastiano Serlio – in aggiunta ad elementi inconfondibili delle terme romane come per esempio una sala ottagona con piscina.

Red. Beatrice Pediconi

2011-11-15T14:02:00.002+01:00

Beatrice Pediconi, Red-#18 (det.), 2011

Beatrice Pediconi
Red

Z2O Galleria l Sara Zanin
Z2O Galleria l Sara Zanin Via dei Querceti 6, 00184 Roma tel +39 06 70452261
30 novembre 2011 – 28 gennaio 2012
Opening mercoledì 30 novembre 2011 ore 18.30
a cura di Marco Tonelli

Red, la personale di Beatrice Pediconi a cura di Marco Tonelli e con la collaborazione di Valentina Bonomo Roma.
Ponendo come elemento principale della sua ricerca l’acqua, fonte di vita ed energia primordiale, l’artista nelle diverse serie prodotte ha ricreato possibili microcosmi (Corpi Sottili, 2005-2008) e macrocosmi (Senza Titolo, 2008-2009) attraverso la sperimentazione di differenti sostanze nell’acqua, e le loro diverse reazioni a seconda della temperatura.
Nella nuova serie Red composta sia da stampe fotografiche che da un video, presentato in esclusiva all’interno della mostra, la materia utilizzata è fatta da varie sostanze organiche mescolate tra loro, sostanze come il cibo che, oltre ad avere molteplici riferimenti nella storia dell’arte, hanno una simbologia ben precisa. La trasformazione del loro aspetto convenzionale rappresenta la volontà di creare, in chiave prettamente pittorica, un mondo liquido e in perenne movimento dove l’incertezza e l’apparente casualità visiva sono in realtà frutto di un lungo lavoro di ricerca.
In occasione dell’opening verrà presentato il libro relativo alla nuova serie Red, edito da De Luca Editori D’Arte.

L’artista sarà presente all’inaugurazione.

Beatrice Pediconi vive e lavora tra Roma e New York. Si forma tra Parigi e Roma, dove si laurea in architettura nel 1999. Il suo lavoro coinvolge differenti media quali fotografia, pittura e video. Tra il 1996 ed il 2003 concentra la sua ricerca sulla fotografia di architettura; dal 2003 inizia a dipingere sull’acqua riproducendo l’immagine tramite il mezzo fotografico e il video. I suoi lavori sono stati pubblicati in prestigiose riviste italiane e internazionali tra cui Ad Italia, Flash Art, Arte, Il Corriere della Sera, Il Giornale dell’Arte, Harper’s Magazine e Art in America. I suoi lavori sono stati esposti in mostre personali dalla galleria Bonomo a Bari (2006) e a Roma (2009), da Photo & Contemporary a Torino (2007 e 2008), al castello Svevo di Bari (2005), e all’Italian Academy a New York (2011). Nel 2011 i suoi lavori sono stati esposti al Macro a Roma in una doppia personale con Roberto De Paolis dal titolo No Trace, in seguito ospitata alla Maison Européenne de la Photographie e all’Istituto di Cultura Italiano di Parigi (2011). L’artista ha inoltre partecipato a numerose collettive tra cui Una storia privata. Fotografia e arte contemporanea nella Collezione Cotroneo presso il Museo Carlo Bilotti (Roma, 2008); Photoespana (Madrid, 2008); La Fotografia Italiana a Palazzo Sant’Elia, a cura di Achille Bonito Oliva (2009) e inoltre Artisti a Palazzo presso Palazzo Gargasole, Garigliano del Capo (Lecce, 2010). Dal 2010 i suoi lavori vengono esposti anche in collettive negli Stati Uniti tra cui The Edge of Vision, a cura di Lyle Rexer, presso il Center for Creative Photography, Tucson, Arizona (2010) e al Cornell Fine Art Museum, Winter Park, Florida (2011). Nel 2008 vince il premio come miglior artista alla VII Biennal of Experimental Art a Sant Pietroburgo (Russia). Nel 2009 vince la Lucid Art Foundation’s artist residency a San Francisco (USA). Nell’ottobre 2011 il suo video “Untitled 2009” entra nella collezione permanente del Macro a Roma, mentre 2011-1-2011 entra a far parte della collezione permanente della Maison Européenne de la Photographie di Parigi.

Navi e marinai

2011-11-14T16:40:00.001+01:00

I marinai valgono più delle navi, le opere d’arte valgono più degli artisti

Rocco Dubbini

22 Ottobre/23 Novembre 2011
STUDIO DESIGN?
San Benedetto del Tronto

Rocco Dubbini con I marinai valgono più delle navi, le opere d’arte valgono più degli artisti cerca di tessere dei fili di memoria, di mostrarci una rete in cui oggi e ieri sono uniti, perché in fondo non si è mai fatto nulla per creare una discontinuità. Il punto da cui muove l’installazione è un fatto storico che ha coinvolto e segnato profondamente il territorio di San Benedetto del Tronto: la tragedia del motopeschereccio Rodi. Il Rodi affondò il 24 dicembre 1970, era partito due giorni prima da Venezia, dove era stato sottoposto a dei lavori di manutenzione, con un equipaggio ridotto al minimo ma non sufficientemente zavorrato. Ironia della sorte l’affondamento avvenne a poche miglia da casa, tra Porto San Giorgio e Grottammare. Le operazioni di recupero si mossero a rilento e di fronte a questi fatti la cittadina marchigiana insorse.

Il progetto, nato intorno a una riflessione sul mare, sulla migrazione, sulla vita e la morte, ha preso forma dopo che Rocco Dubbini è venuto a conoscenza di questa storia e si è sviluppato pienamente da una frase che, nella sua elementarità, riesce a dire una verità devastante: “I marinai valgono più delle navi”. Dubbini ha avuto l’occasione di plasmare un’installazione che andasse a intrecciarsi con il vissuto e il cuore pulsante della città, intervenendo in un luogo nuovo per l’arte contemporanea, come il Design?

L'artista compie anche un’operazione di riflessione nei riguardi del mondo dell’arte, dove questa tendenza di assolutizzazione individuale sta emergendo sempre più prepotente e la figura dell’artista sopravanza e soffoca la sua opera, spesso dimostrandone l’inconsistenza. La velocità con cui nella nostra epoca vengono prodotte e accantonate le immagini, non lascia spesso il tempo per un’assimilazione e una valutazione completa del valore delle stesse, staccandole dalla figura dell'artista. Eppure quel che dovrebbe restare è proprio l’opera d’arte, il risultato di un lavoro, di una ricerca, di un sentire. Si è parlato di fili di memoria, sono questi che le opere d’arte creano, attraversando i secoli e guardando fisso negli occhi gli uomini di diverse epoche. DARIO CIFERRI

Avanzi di un acquerello

2011-11-11T12:21:00.000+01:00

Acquerello incompleto, matita, inchiostro

L'uscita di Metternich

2011-11-11T10:29:00.002+01:00

Il contributo di alcune attiviste, così si possono chiamare le donne da salotto dell'epoca di Metternich, si era tradotto in deliberate campagne in nome del bene comune.
Bettina Brentano seppe sfruttare a proprio vantaggio le amicizie letterarie con nomi di chiara fama e diventare, lei stessa, autrice di opere ispirate da questi legami. La romantica Brentano fu una partecipe e coraggiosa sostenitrice della libertà di stampa a Berlino. Abbandonò a volte la gonna per i più pratici pantaloni anche per provocare qualche moralistico dissenso.
In quanto ad emancipazione femminile l'attività di altre scrittrici del periodo si concretizzò in una sorta di anti-harmony dell'Ottocento. Molti sono i romanzi per lettrici sveglie e accorte, come quelli di Fanny Lewald e Ida von Hahn-Hahn, che invece di decantare la fiaba del matrimonio per le fanciulle dell'epoca, ne rappresentano l'esatto contrario, risultato di scelte di coppia sbagliate e infelici.

In questo fermento di salotti e pensiero, abbiamo lasciato Metternich sulle sabbie mobili. L'entourage del re del bello si è gradualmente sfaldato. Parvenus, versanti, aristocratici e blasonati del momento: chi punta il dito, chi fa fagotto alla meglio e scappa.
In questa situazione di emergenza aggravata dal diffuso malcontento di un popolo che chiede cassa sotto la finestra del palazzo, un Metternich maniacalmente affaticato a far quadrare i conti che non tornano non può certo sobbarcarsi la salvezza del regno. Metternich, tedesco per natura e in questo di certo europeo, decide in quei giorni di levarsi dall'isolamento in cui si è ritrovato. Si presenta di buon mattino nelle stanze reali per le dimissioni e lascia così per sempre il re con poche lapidarie parole. Quest'ultimo, preso atto dell'abbandono, con il mento in alto e gli occhi di brace, si volta verso lo specchio della parete di fronte, si rimira e si ripete con gran soddisfazione: “Però quanto sono bello!”.

È stata la fine di un sodalizio e il tramonto di un'epoca.

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Donne da salotto

Talent Prize alla Centrale Montemartini

2011-11-09T14:47:00.001+01:00

PRIMOZ BIZJAK Interiores madrileños, 2007

Talent Prize 2011
Centrale Montemartini - ROMA - Italia
10 - 23 Novembre, 2011

Per il quarto anno consecutivo la Guido Talarico Editore e la Fondazione Roma hanno premiato, lo scorso 14 Settembre il vincitore ed i nove finalisti del Talent Prize 2011, concorso che ogni anno ribadisce il proprio impegno sul fronte artistico. Dal 2008 Talent Prize è sinonimo di promozione e sostegno dei giovani artisti che si cimentano nelle quattro categorie del contest: pittura, scultura, video e fotografia. Tra più di 1400 partecipanti, ad aggiudicarsi il primo posto quest’anno è stato Giulio Delvè, che insieme ai nove colleghi finalisti sarà protagonista di una mostra interamente dedicata al Talent Prize.

A sostegno dell’iniziativa, oltre ai partner ormai storici, Editalia, Gruppo Poligrafico e Zecca dello Stato e Gruppo Sole 24Ore, la presenza significativa di Invitalia, l’Agenzia nazionale per l’attrazione degli investimenti e lo sviluppo d’impresa.

Gli altri nove finalisti spiccano per proporre diversi linguaggi: Salvatore Arancio con il video “Shasta”; Primoz Bizjak con l' installazione di tre light box delle serie ‘Interiores madrileños’: calle Gaztambide, Madrid 2007 – calle Factor, Madrid 2007 – calle Hortaleza n2, Madrid 2009”; Maria Teresa Dal Bò con il video Interrotto; Anna de Manincor con lo scatto “The name of the game is death”; Ettore Favini con l’installazione "Alcuni uomini scrivono la storia altri la leggono"; Anna Lisa Giardina e Hamed Momeni con il video "Mi fa pena il giardino"; Roberto Pugliese con il lavoro "Unità minime di sensibilità"; Gian Paolo Striano con la scultura "Stalagmite e Stalattite" e infine Eugenio Tibaldi con il lavoro “Temporary final 4”.

Ad aggiudicarsi il Premio speciale Fondazione Roma è stato invece Gennaro Cilento con il dipinto intitolato “Rubbish”.

Dal 9 novembre nella splendida Centrale Montemartini aprirà i battenti la mostra, curata da Salvo Davì e Arianna Galli, studenti del Master in Curatore Museale e di Eventi dello IED Roma.

Centrale Montemartini
via Ostiense 106
Roma
Italy

Sculture da parete

2011-11-09T14:23:00.001+01:00

Wall Sculptures
CCA Andratx

"[...] ho lavorato sulla necessità
che l’idea non esiste se non è realizzata,
capovolgendo così l’idea di un’arte concettuale
per fare una arte necessaria ed essenziale."
Paola Ricci

Arte migrante

2011-11-09T13:48:00.000+01:00

“A Travel Journal. 1st Paragraph: The MigrArt”

“Siamo specchi senza riflessi, frammenti di una realtà che svanisce continuamente.”
Andrés Torca

PRESQU*ILE
Roma, Via del Corallo 19
Apertura: 9 Novembre 2011 ore 18.30
Fino al 16 Novembre dalle ore 12.00 alle ore 19.00

Nello spazio PRESQU*ILE, situato nel cuore del centro storico di Roma, verrà inaugurata la mostra personale “A Travel Journal. 1st Paragraph: The MigrArt”. In numero sempre maggiore i MigrArtists abbandonano la propria terra alla volta di luoghi lontani, tesi a perseguire l'ispirazione e la vocazione per l'arte. MigrArt è un tracciato, un percorso dinamico, anche laddove non appare visibile e dal quale scaturisce un messaggio vitale e ricco di nuove energie. In mostra si avranno verità tangibili non solo perché ciascuna di esse rappresenta il microcosmo soggettivo e personale di un individuo-MigrArtist, ma perchè lo spettatore, invogliato a fruire di un viaggio nella vertigine interculturale e sociale del mondo dell'arte, seguirà una rotta tracciata dall'artista.

In mostra le opere di Andrés Torca, giovane artista spagnolo vincitore di una borsa d’artista della Fondazione Pistoletto a Biella, che ha già suscitato l’interesse del programma “Inquietos” in onda sulla televisione spagnola TVE. Andrés utilizza la fotografia come un linguaggio mediale composto da frammenti di un’epidermide in costante mutamento. Per l’artista la pelle subisce l’influenza di elementi come luce e tempo, fattori inscindibili dal lavoro creativo condotto in camera oscura, luogo questo dove le fotografie nascono e creano un contrasto simbiotico con i corpi ritratti. Le immagini sono ritagli in bianco e nero che narrano il corpo come fusione di frammenti spaziali e temporali in cui la pelle muore ad ogni scatto, ad ogni secondo.

La narrazione del viaggio, della permanenza e della quotidianità vissuta nella nostra nazione, mostra attraverso una cronistoria autoriale, il fitto tessuto dei rapporti umani e artistici instaurati nel tempo, immortalandone i pro o i contro e trasmettendone sensazioni e sentimenti.

Identità, ruoli sociali ed etica del lavoro

2011-11-07T09:19:00.001+01:00

Maravee Fàbrica
Castello di Susans - MAJANO - Italia
11 - 24 Novembre, 2011
Apertura Venerdì 11 Novembre, 2011

ARTISTI: Olivo Barbieri, Monica Biancardi, Corrado Bonomi, Sergey Bratkov, sara Corsini, Belinda De Vito, Maurizio Frullani, Lorena Matic, Yasumasa Morimura, Michele Spanghero, Hema Upadhyay, Willy Verginer, Luigi Vitale

CURATORE: Sabrina Zannier

Maravee, la rassegna ideata e diretta da Sabrina Zannier, annuncia il varo della sua decima edizione, riconfermando l’approdo nella splendida location del Castello di Susans di Majano (Ud).

Intitolata quest’anno Maravee Fàbrica, la rassegna metterà in scena l’etica e la bellezza del lavoro che lega l’impegno del fare e progettare all’identità dell’individuo, alla sua relazione con il gruppo, la città, l’ambiente e la visionarietà.

Una mostra di fotografia, un cortometraggio realizzato per l’occasione e una mostra di sculture e installazioni che vedranno la partecipazione di artisti provenienti dalla regione, da diverse città italiane, dalla Russia, dall’India e dal Giappone, proporranno visioni dirette sul mondo del lavoro, affrontato nelle sue più diverse sfaccettature, affiancandole ad altre che essenzializzano, a ridosso dell’identità individuale, quel principio del ruolo sociale che incide nel vivo della psicologia collettiva.
Tra le mostre in programma:

La fabbrica della visionarietà

Olivo Barbieri / Monica Biancardi / Sergey Bratkov / Sara Corsini / Maurizio Frullani / Yasumasa Morimura / Lorena Matic / Luigi Vitale.

Mostra fotografica che mette in scena il tema del lavoro sul doppio registro della produzione e della visionarietà. Interni di fabbriche, a ridosso di catene di montaggio e operatività dal sapore artigianale o altamente tecnologico, esterni di grandi cantieri o di malghe che dalla città ci conducono alla montagna, fonderie che aprono lo sguardo sull’imponenza dei materiali e delle strutture. Dalla fabbrica il lavoro si estende anche in altri luoghi di produzione, come il teatro, il supermercato, la strada, lo studio d’artista o del pranoterapeuta, mettendo sempre in scena il ruolo dell’individuo, anche concentrandosi su veri e propri ritratti, dove la divisa militare e l’espressività dei volti si elevano a forti simbologie del ruolo sociale. Puntando il dito sul principio dell’etica, che pone l’uomo al centro della produzione lavorativa, sia essa legata alla fabbricazione di manufatti, all’ideazione di opere d’arte o al settore terziario, votato ai servizi e alle relazioni sociali, la mostra apre inoltre suggestivi scenari votati alla visionarietà. Quella degli artisti che affiancano mestieri e ruoli diversi inscenando situazioni tese fra assurdo e ironia, che recuperano nel mondo della fiaba il principio del lavoro o che ammiccano alla mitologia per ricreare un universo che ruota attorno al ruolo di una figura.

Castello di Susans
Frazione Susans 88
Majano (Udine)
Italy

Delirious City

2011-11-07T09:07:00.000+01:00

Delirious City

Ivorypress Art+Books Space, Madrid. Spain
November 16, 2011 - January 7, 2012

Opening Tuesday November 15, 2011

Delirious City is a work in progress. As Girbés himself has said, he is after ‘the construction of an excessive, unreal city out of time’ and to this end the artist culls fragments of architecture from his travels to Paris, Moscow, Naples, New York, Shanghai, Barcelona and Vienna.

Girbés’ work reworks the city planning and architecture of seminal names like Lluís Doménech i Montaner, Antoni Gaudí or Johann Fischer von Erlach, as well as contemporary architects like Norman Foster or the Russian architect Alexey Dushkin. ‘I reinterpret these bits of reality, bestowing them with a new function, distinct from what the architect planned for the original building’. Lines multiply and transform the perspective, as if they have gone through the prism of a kaleidoscope.

‘The outcome, often mistakenly believed to be a collage of various images, is always based on one single photo, which I still take with the same analogue camera I’ve always used’, Girbés explains. As a result, starting out from a snapshot captured on his Hasselblad, each image is scanned and meticulously processed by the artist to create divisions, repetitions and mirror plays.

This exhibition is another step in the work Antonio Girbés has been developing in collaboration with Ivorypress. The artist took part in the first series by C International Photo Magazine, as a member of the C Action programme and his work was included in the exhibition C on Cities curated by Ivorypress for the Venice Biennale in 2006. He was also selected for the project C Photo Real Venice, included in the 54th Venice Biennale 2011 with a large exhibition, also curated by Ivorypress, on the island of San Giorgio Maggiore in Venice.

Ivorypress Art+Books Space II
c/ Comandante Zorita 46
Madrid
Spain

Contemporaneo a Palazzo Incontro

2011-11-02T18:51:00.005+01:00

Caterina Silva, Luglio.unnot , 2011

NON È FACILE

Kiki Smith – Nancy Spero – Alberto Di Fabio – Simone Cametti – Caterina Silva
a cura di Claudio Libero Pisano

Mercoledì 9 novembre, ore 18,00
Palazzo Incontro, Via Dei Prefetti, 22 - Roma

La mostra Non è facile inaugura un ciclo di quattro incontri espositivi del Contemporaneo all’interno di Palazzo Incontro.

Il titolo della mostra esprime un voluto doppio livello di lettura che unisce tra loro – come in un dialogo ideale – i cinque lavori degli artisti esposti. Ad un primo sguardo, le opere si presentano cariche di empatia e grande riconoscibilità nel segno e per l’uso di colori fortemente caratterizzanti. Ma, ad un’osservazione più attenta, si tratta di opere che chiedono di andare oltre. Oltre l’apparente e una lettura solo appagante, per potersi immergere in territori e interrogativi non esclusivamente estetici né rassicuranti.

Non è facile è un monito a non fermarsi alla leggerezza evanescente della superficie. L’universo interpretativo è colmo di significati, non sempre immediatamente riconoscibili, che si rivelano solo nel saper guardare. Oltre l’immagine stessa che l’artista ci offre e che egli stesso invita a superare, trasfigurandola, per coglierne l’essenza. Ci vuole attitudine, predisposizione d’animo. Non è facile avere l’una e l’altro.

Tutti gli artisti presentano opere inedite Kiki Smith è presente con un grande disegno, Alberto Di Fabio con una grande istallazione di carte dipinte, Simone Cametti espone una grande installazione in marmo di Carrara, Caterina Silva tre grandi tele sovrapposte. Per Nancy Spero sono stati selezionati quattro lavori che rendono omaggio ad un’artista straordinaria a due anni dalla sua scomparsa.
Accanto alla presenza di artisti di chiara fama, già affermati a livello internazionale, la scelta è caduta anche su due promesse, a conferma dell’interesse dell’Amministrazione provinciale di investire sui giovani e la loro creatività.

La mostra viene inaugurata dal Presidente della Provincia di Roma Nicola Zingaretti

Promossa dalla Provincia di Roma, la mostra è realizzata nell’ambito del Progetto ABC Arte Bellezza Cultura in collaborazione con il CIAC, il Centro Internazionale di Arte Contemporanea di Genazzano.

Il Progetto ABC Arte Bellezza Cultura, che è stato fortemente voluto dal Presidente della Provincia di Roma, ha per obiettivo sostenere le eccellenze culturali e territoriali della provincia di Roma al fine di avvicinare i cittadini, specie i più giovani, al piacere del “bello” e ai suoi luoghi fisici.

Il ciclo espositivo prosegue fino al maggio del 2012. I cataloghi di ciascuna mostra verranno poi raccolti in un unico cofanetto a cura di Livello4 Editrice

Palazzo Incontro
Via Dei Prefetti, 22 - Roma
ore 10.00 - 19.00
INGRESSO GRATUITO
Chiuso il lunedì
La mostra rimane aperta dal 9 novembre al 10 dicembre 2011

Premio Cairo

2011-10-27T10:28:00.000+02:00

28 ottobre – 1° novembre 2011

12° PREMIO CAIRO
Milano, Palazzo della Permanente, via Turati 34

Questa edizione del Premio a Palazzo della Permanente comprende un allestimento molto articolato con la presenza di scultura, pittura, fotografia, installazioni e video, opera di 20 artisti.
La fase preliminare della dodicesima edizione del Premio Cairo, indetto da Urbano Cairo nel 2000 per valorizzare la giovane arte italiana, prevedeva la selezione, o meglio la proposta, di due artisti, rigorosamente under 40, da parte di dieci personalità dell’arte contemporanea.
Tra questi lavori, una Giuria, i cui membri non coincidono con il gruppo dei proponenti, sceglierà il vincitore del Premio Cairo 2011 la cui proclamazione si terrà oggi (giovedì 27 ottobre) alle ore 18.30, a Milano.
Questa dodicesima edizione del Premio, così come lo è stata la precedente, è curata da Luca Beatrice.
I dieci selezionatori e i due artisti da ciascuno proposti sono:
Beatrice Buscaroli, Direttore artistico Fondazione Carisbo e docente dell'Accademia di Bologna: Francesco De Molfetta, Iva Kontic
Laura Cherubini, Docente dell'Accademia di Brera e curatore: Dario Guccio, Michele Guido
Eduardo Cicelyn, Direttore del museo Madre di Napoli: Roberto Amoroso, Eugenio Tibaldi
Cristiana Collu, Direttore del museo Man di Nuoro: Emanuele Becheri, Giovanni Ozzola
Martina Corgnati, Curatore e docente dell'Accademia Albertina di Torino: Fatma Bucak, Coniglioviola
Angelo Crespi, Giornalista e presidente del museo Maga di Gallarate: Svitlana Grebenyuk, CristianoTassinari
Paolo Manazza, Direttore di Arslife.com : Laura Giardino, Giuliano Sale
Lea Mattarella, Curatore e giornalista: Guglielmo Castelli, Gaia Scaramella
Anna Mattirolo, Direttore del Maxxi di Roma: Riccardo Benassi, Luana Perilli
Alberto Zanchetta, Critico d'arte e curatore: Umberto Chiodi, Matteo Fato

La mostra dei progetti sarà aperta al pubblico dal 28 ottobre al primo novembre presso Palazzo della Permanente.

Informazioni:
Palazzo della Permanente, via Turati 34, Milano
Mostra aperta al pubblico con ingresso gratuito: dal 28 ottobre al 1° novembre 2011
Orario: dalle ore 10.00 alle 20.00

Foto: dx: Michele Guido_Lotus Garden project #05_Raphael Urbinas 1504_2011_prospetto con proiezione del giardino_vetro serigrafato, stampa diretta su carta da lucido_cm 40x65_ed. 1 + 1 a.p.; sx: Gaia Scaramella, Legami o Legami?, 2011, sculture in resina epossidica, fil di lana, dimensioni ambientali

Società per piani

2011-10-27T10:07:00.001+02:00

Gli abitanti delle città vivono su diversi piani. Ci sono aree urbane dove svettano costruzioni abitate da chissà quante persone, aree dove le case invece si sviluppano in larghezza o addirittura sotto terra.

In ogni epoca gli uomini e le donne hanno vissuto in ambienti progettati in base alle condizioni climatiche locali (difficile pensare a un igloo nel deserto), e a soluzioni abitative in voga nelle tendenze architettoniche di un preciso momento. Nel Cinquecento per esempio l'aristocrazia commissionava ville dotate di giardini, fontane, scuderie per lo svago e saloni di ricevimento per serate conviviali.
Altro fattore è poi il reddito che insieme al gusto, ha avuto un ruolo determinante nella distribuzione delle classi nella società europea.
A fine Ottocento il ceto sociale di appartenenza poteva essere collocato nel tessuto urbano in zone e identificato all'interno di un edificio dal piano dell'immobile occupato. Nella società non manuale dei centri cittadini la borghesia dello stato unitario era sparsa in varianti abitative come il palazzo, il villino o l'appartamento nell'isolato a blocco. Nell'isolato a blocco era facile distinguere tra gli affittuari una gerarchia sociale molto netta, disposta su piani e ordinata per reddito.
Al piano nobile, subito dopo il mezzanino, vivevano le famiglie più benestanti, il livello sociale scendeva procedendo verso l'alto, come diminuiva il numero dei vani a disposizione ma non il modello abitativo che prevedeva una distinzione di tre aree familiari e domestiche: le stanze della socialità, quelle dei servizi e quelle private.

Fonte Francesca Socrate, Borghesie e stili di vita in AAVV, Storia d'Italia, Liberalismo e democrazia

2011-10-25T12:15:00.000+02:00

Duomo. Terni

Fabbricare un libro

2011-10-25T11:48:00.001+02:00

Libri a portata di mano è una mostra in corso presso la Casina di Raffaello (fino al 4 dicembre) che espone libri artigianali e rari realizzati o appartenenti alla Biblioteca Centrale Ragazzi. La mostra si affianca a letture ad alta voce e attività di laboratori forniti di un telaio utile per fabbricare la carta e di una macchina che segue il procedimento di stampa di Gutemberg. Così tra inchiostro, carta e rulli, usando una cassettiera tipografica e un tirabozze, i più piccoli potranno cimentarsi nella produzione del proprio libro artigianale.

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Vetrine alla Don Chisciotte

2011-10-22T13:46:00.011+02:00

Per chi, da sempre, sente di avere qualcosa in comune con Don Chisciotte questa è una vetrina che fa per noi.

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Luci ad Oriente

2011-10-20T09:07:00.001+02:00

In una stagione crepuscolare come l'autunno, i fenomeni atmosferici arrivano per segnalare che l'estate è superata, la quantità di luce a disposizione diminuisce e già sembra che venga meno qualcosa... In simili condizioni l'illuminazione elettrica supplisce. Anche se a volte rasenta l'effetto giorno in maniera spregiudicata.
Libro d'ombra è un saggio dello scrittore giapponese Junichiro Tanizaki (Tokio 1886-1965), uno dei maggiori della letteratura nipponica del Novecento, più volte censurato per romanzi e racconti dal contenuto sensuale.
L'estetica e il gusto giapponese sono riflessi nello stile di vita della civiltà del Sol Levante e Tanizaki si concentra su elementi tangibili e pratici come le lampade dei ristoranti, gli utensili da cucina, i materiali opachi come la giada o il legno laccato, il vasellame di stagno, per inoltrarsi in un racconto di come i sensi siano, nel quotidiano, privilegiati, armonizzati o spenti a Oriente e a Occidente.
Passando per interni di alberghi, ristoranti, monasteri, case di geishe, Tanizaki solleva il tema della bellezza così come è intesa nella cultura e nelle tradizioni del suo paese. Dalle stanza di un gabinetto fino al teatro e alle sue maschere, al lettore viene illustrata una realtà dove l'ombra e i molteplici significati che trattiene, è una componente necessaria e ben accetta, i colori degli ambienti sono cangianti e caldi, persino i tetti delle case e dei templi, nella loro forma garantiscono un'atmosfera simile.

Donatella Spaziani. In Me

2011-10-18T18:22:00.003+02:00

OREDARIA Arti Contemporanee
Via Reggio Emilia, 22-24 Roma
Fino al 26 novembre 2011.

“In Me” è la mostra personale di Donatella Spaziani all'interno della Galleria Oredaria.
Nella varietà di materiali e tecniche adoperate nelle sue opere (ceramica, disegno, ricamo, fotografia, scultura), il mondo creativo dell'artista si anima di leggeri accenni a una dimensione intima, senza mai approfondire del tutto il dettaglio personale, presentando figure umane definite, tracciate su grandi tele attraverso linee di contorno.
Il riferimento al vissuto personale si esprime in immagini di stanze private, nel confronto con lo specchio della quotidianità dove intravedere un lato esteriore o uno scorcio del mondo esterno.
Il ricorso a carta da parati e le forma flessuosa delle panche rivestite in pelle fanno riferimento a elementi decorativi di un interno domestico tipico di altri tempi e che risulta desueto in un arredo moderno e attuale.
Se visivamente l'ostentazione della corporeità può essere culturalmente un'abitudine, l'opera della Spaziani sostituisce all'azione del mostrare quella del nascondere, la fisicità si fa dimora di un paesaggio intimo e di ricerca di senso, non di mera apparenza.

Donatella Spaziani (1970), si è diplomata in pittura nel 1993 presso l’Accademia di Belle Arti di Roma. Nel 2001 ha vinto una borsa di studio per “Art Omi, International Residency“, Hudson River Valley, New York. Nel 2003 ha vinto la borsa di studio “La Seine”, programma di ricerca per le arti visive dell’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts di Parigi. Tra il 2004 e il 2006, sempre a Parigi, è stata residente nella “Cité Internationale des Arts“ grazie alla borsa di studio avuta da “Incontri Internazionali d’Arte”. Nel 2008 ha partecipato alla 19° Quadriennale di Roma, mentre nel 2010 è stata invitata a partecipare all’Expo Universale di Shanghai nella mostra “Piazze di Roma”.
Tra le principali mostre personali ricordiamo: nel 2011, “Fleeting Beauty”, Galleria Rusconi, Milano; nel 2009, “Fuga”, Impronte Contemporary art, Milano; nel 2006, “Ouvres”, Gallerie AP4, Ginevra e “Sans Titre”, Vitamin Arte Contemporanea, Torino; nel 2002 alla Galleria Umberto di Marino, Napoli e nel 2001, “La Folie de la Villa Médicis”, Accademia di Francia – Villa Medici, Roma. Tra le principali mostre collettive dell’ultimo anno segnaliamo: “Cielo”, Incontri Internazionali D’Arte, Roma; “Anteprima”, Galleria OREDARIA Arti Contemporanee, Roma; “Arte Italiana all’ascolto”, NCCA, Museo Arte Moderna, Mosca; “Italian artists in New York”, Industria Superstudio, New York; “TRAIN, Landscapes on the Move “, Mestna Galerija, Ljubljana e “Hear me out”, al CIAC-Castello di Genazzano, Roma.

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Gli alberi di Avish Khebrehzadeh

2011-10-15T17:44:00.000+02:00

Avish Khebrehzadeh
Whispers in the Ears of Silence and the Wind

27 Ottobre – 3 Dicembre 2011
Inaugurazione 27 ottobre alle ore 19,00

Galleria S.A.L.E.S
via dei querceti 4/5 Roma

L’arte di Avish Khebrehzadeh sembra rifarsi a una tradizione millenaria, ai racconti trasmessi di generazione in generazione, alle fiabe persiane che ha ascoltato crescendo a Teheran. L’esilio dal suo paese natale, i diversi contesti dove è cresciuta, le varie identità che si sono sovrapposte, le distanze che tutti questi elementi creano nella visione di se stessa. Sarebbe facile presupporre una visione anche politica, per un’artista che ha vissuto in prima persona le scosse storiche che hanno coinvolto il suo paese, ma Avish trasmette diversamente il senso di solitudine, le faglie della memoria (rendendo la sua opera universale). La sua arte, anche se storicamente decontestualizzata, può soltanto rispecchiarsi nel presente, poiché illustra la “mancanza spirituale, una solitudine che non necessariamente ha a che fare con la distanza geografica, quanto piuttosto con la povertà di comunicazione”. (Mirène Arsanios)

Avish Khebrehzadeh (Teheran,1969), artista che attualmente vive e lavora a Washington, presenta nella sala della galleria tre grandi “carte intelate” raffiguranti degli alberi, mentre nell’ambiente più piccolo espone un grande dipinto, con la raffigurazione di un teatro nel cui centro viene proiettata una videoanimazione.

The One Tree, Wish Tree e Dogwood, tutti realizzati nel 2011, creano una sorta di foresta ideale. Trasfigurazione e resa naturalistica trovano, in queste tre opere, una forma di concreta unità nel confronto dialettico tra realtà, sogno e tradizione.
The One Tree è conosciuto anche come l’albero della vita, archetipo per eccellenza della connessione tra la terra e il cielo. In molte culture l'albero è onorato come simbolo dell'energia vitale e sacra. Permeato di significati simbolici, è la metafora della comune discendenza, intesa in senso evoluzionistico. Immagine dell'uomo, del suo percorso, della conoscenza, delle categorie del bene e del male, della forza e potenza, di ogni maturazione psicologica; l'albero appare nei sogni a rappresentare gran parte di questi elementi. Chiamato albero della vita, albero del mondo o asse del mondo, rappresenta anche il cosmo che si evolve e si perpetua, la manifestazione archetipica di una "potenza" che si amplia in senso regolare, dove la verticalità suggerita dal tronco crea un collegamento fra i regni del cielo e della terra, dell'alto e del basso, del maschile e del femminile, simbolo di unione degli opposti e di equilibrio vitale.
Wish Tree è usato da alcune religioni come oggetto e luogo di voto. Coloro che credono in questo spirito della natura, vi si recano con offerte votive nella speranza di ottenere la realizzazione del proprio benessere e dei propri desideri.
Dogwood è un albero locale che rappresenta il legame di Avish Khebrehzadeh con la sua città adottiva di Washington D.C.

Lo spettatore si trova così “tra gli alberi” a sperimentare i singoli disegni e l’effetto da loro esercitato. Vi si può abbandonare ai sogni sprofondando in un mondo senza limiti, dove ritrovare la tranquillità interiore. La poetica del silenzio è la chiave di lettura per questa mostra. I tratti frugali, essenziali, minimali delle linee, che danno vita alle sue opere, sono liberi da tutto ciò che è eccessivo, superfluo, e riducono così il volume dei pensieri, placando l'attività frenetica della mente. Come lei stessa afferma “si può fare arte con poco o quasi niente”.

Nella videoanimazione Theater III + Edgar le figure si animano raccontandoci una breve storia che ricorda le fiabe e i paesaggi dei sogni che, integrati con i ricordi di vita, ispirano la sua produzione artistica. La trama, lascia allo spettatore la possibilità di concludere il racconto usando la propria immaginazione.

Premiata alla 50° Biennale di Venezia 2003, ha partecipato a numerose mostre in tutto il mondo.

Il potenziale dell'arte per la cura dell'Alzheimer

2011-10-15T13:41:00.007+02:00

La memoria del bello. Percorsi museali per i malati di Alzheimer

Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma
14 Ottobre 2011

Il museo è il tempio della memoria e per questo un laboratorio ideale per realizzare progetti di tipo sperimentale che aprono nuove e inaspettate direzioni nello spazio museo grazie al confronto di operatori di settori tradizionalmente distinti per conoscenze e metodologie di lavoro, uno culturale (personale museale), l'altro scientifico (equipe medica).

Il convegno che ha preso il nome dal progetto attuato nel museo romano tra marzo e maggio 2011, in collaborazione con l'Università Cattolica del Sacro Cuore, Dipartimento di Scienze Gerontologiche, Geriatriche e Fisiatriche, Centro di Medicina dell’Invecchiamento del Policlinico A. Gemelli, diretto dal prof. Roberto Bernabei, ha anche illustrato altri progetti sperimentali e ricerche dove le arti visive vengono adoperate a scopo terapeutico. Quelli della Pinacoteca Ambrosiana di Milano dove si svolgono ricerche su metodi e tecniche che possano facilitare l'apprendimento e la fruizione del patrimonio artistico specie per chi non ha una formazione in questo campo, il progetto A più voci dedicato a persone con Alzheimer che si svolge a Firenze presso Palazzo Strozzi, il progetto ADarte a Napoli, le “esperienze di museoterapia” a Catania presso la Fondazione Puglisi Cosentino.

Per la Soprintendente Maria Vittoria Marini Clarelli: “Il patrimonio culturale appartiene ai cittadini. Garantirne la fruibilità diventa un punto d'onore del Museo”.

Bernabei ha sottolineato come questo progetto abbia permesso al personale medico coinvolto, abituato di mestiere a dover fare una diagnosi pesante nel caso dell'Alzheimer e ad agire con armi modeste per quanto concerne la cura, di rientrare nel circuito delle emozioni. Attraverso le potenzialità offerte dalla sfera emotiva, che non è danneggiata nella malattia quanto quella cognitiva, un approccio di tipo integrato (tecnologico, scientifico, psicosociale, filosofico) può così venire in soccorso per gestire la complessità di questa malattia.

Già nell'ottobre 2010 il Dipartimento educativo del MoMA, Museum of Modern Art di New York aveva presentato alla Gnam la sua esperienza iniziata nel 2006. Il MoMA è stato il primo a intuire che il museo potesse rappresentare un “luogo terapeutico” sia per le persone affette da Malattia di Alzheimer sia per gli accompagnatori, specie i familiari. Dai sorprendenti risultati, monitorati dal Psychosocial Research and Support Program of the New York University Centre of Excellence for Brain Ageing and Dementia, era emerso che le visite al museo, pur non incidendo sul recupero della memoria, avevano migliorato la qualità di vita dei malati e dei loro caregiver, abbassando notevolmente i livelli di ansia e stress correlati alla malattia.

Nei due cicli di visite avvenuti alla Gnam, di tre incontri ciascuno, i gruppi di pazienti, con i relativi accompagnatori, sono stati sollecitati ad instaurare un rapporto diretto con l’opera d’arte, richiamando il ricordo del proprio vissuto attraverso l’osservazione dei soggetti rappresentati. La verifica dei risultati è avvenuta presso la struttura ospedaliera del Policlinico A. Gemelli, dove i pazienti sono stati sottoposti a test valutativi di tipo neuropsicologico e psico-comportamentale.

Il gruppo dei pazienti, molto eterogeneo per composizione sociale, è stato ripreso in alcuni momenti offrendo le proprie chiavi di lettura alle opere che rientravano nel percorso.
Da una valutazione degli esiti di questa sperimentazione risultano evidenti i benefici dell'esperienza per i soggetti coinvolti, il miglioramento del tono dell'umore e la riduzione di disturbi legati ad ansia, insonnia e disordine alimentare. Nonostante il deterioramento cognitivo permane in queste persone il gusto estetico e la capacità di provare empatia di fronte a un'opera d'arte.
Lo scopo di questo comune impegno è di sostenere interventi terapeutici non farmacologici attraverso le arti figurative.

"Lui legge e lei si annoia a morte"
Un paziente di fronte al quadro di Torquato Tasso che legge la Gerusalemme Liberata a Eleonora d'Este

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Il progetto ADarte

MOSTRE. Hans Hartung

2011-10-15T12:25:00.000+02:00

Hans Hartung
Opere 1971-1976

19 ottobre - 9 dicembre 2011
LIMEN otto9cinque

A suon di focaccia

2011-10-13T12:13:00.000+02:00

“Abbiamo già tutto quello che ci serve per vivere meglio. Basta sceglierlo!”
Michele Placido in Focaccia blues. La vera storia della focaccia che mangiò l'hamburger
(regia di N. Cirasola)

Focaccia blues è un allegro film dal valore quasi documentario, ispirato da quanto è accaduto nella città di Altamura poco tempo fa, quando il colosso Mc Donald's, aperto con le migliori delle intenzioni, fu costretto a chiudere per la concorrenza, leale e tradizionale, di una focacceria.
Non è bastato il vistoso totem sinonimo del colosso che ha esportato la tradizione delle patatine fritte e del panino farcito con l'hamburger in tutto il mondo, la popolazione locale, dopo aver saggiato il rito del mordi e fuggi a pranzo, a cena, per le feste di compleanno, ha preferito tornare alla più laboriosa ma autentica focaccia.
La notizia della chiusura del Mc Donald's è stata riportata dalla stampa nazionale ed estera. Il film, vincitore di vari premi tra cui il Globo d'Oro 2010 quale “film da non dimenticare”, ha in Lino Banfi e Renzo Arbore due cuochi speciali pronti a giocare ai fornelli in divertenti contese, spesso di natura campanilistica, che scaturiscono dalle tante e ricche differenze locali nostrane, persino tra due province limitrofe, per aspetti culturali, linguistici, e naturalmente culinari. Tutto questo nel raggio di qualche chilometro.
Focaccia blues testimonia di come la tradizione gastronomica locale e il palato possano essere più forti dell'attrazione per un mito.

Design e tempo

2011-10-11T18:19:00.001+02:00

Carlo Bach, Senza titolo, 2011

O’Clock. Design del tempo, tempo del design

Triennale Design Museum - MILANO - Italia
10 Ottobre 2011 - 1 Gennaio 2012

O’Clock. Design del tempo, tempo del design, a cura di Silvana Annicchiarico e Jan van Rossem e con uno speciale progetto di allestimento di Patricia Urquiola, è una grande mostra che nasce con lo scopo di indagare i rapporti fra tempo e design.

Se l’arte figurativa, il cinema e la fotografia hanno sviluppato una lunga e approfondita riflessione sul tema del tempo, il design si è spesso invece limitato a trattare questo argomento rinchiudendolo entro le categorie della precisione, della misurabilità, della funzionalità. Eppure i rapporti fra tempo e design sono molto più complessi e tali da aprire prospettive sorprendenti sia dal punto di vista estetico che da quello funzionale.

Un’ampia selezione di opere site-specific, installazioni, oggetti di design, opere d’arte, video di artisti e designer internazionali cercano di rispondere a domande come: “In che modo misurare il tempo?”, “Come mostrare il tempo che passa?”, “Come vivere in modo esperienziale il tempo?”.
Tutti i lavori esposti affrontano temi come il passare del tempo, il tempo in divenire, la deperibilità, in modo talvolta divertente, talvolta poetico, talvolta meditativo e critico.

La tendenza apparentemente dominante oggi è la “presentificazione”, cioè un processo per cui la memoria diventa sempre più breve. Ci sono però sempre più forti tendenze che affermano l’inopportunità del ricordo, del passato. E sempre più debole è la capacità di immaginare il futuro. In questo quadro di appiattimento del tempo sul presente l’urgenza della mostra è essere quella di far vedere la multiprospetticità del tempo, il suo incessante lavorio e il suo trascorrere.

La mostra è realizzata in partnership con il marchio di alta orologeria Officine Panerai che, in occasione dell’inaugurazione, presenterà un’installazione dedicata al design dei propri orologi.

Triennale Design Museum
viale Alemagna, 6
Milano
Italy

Midriasis/Cajas Habitadas e l'abbaglio della vista

2011-10-10T11:18:00.001+02:00

Midriasis/Cajas Habitadas è la mostra in corso alla casa museo di Mario Praz. L'artista Marìa Àngeles Vila Tortosa (Valencia 1978) ha preso in prestito dalla lingua spagnola un termine medico - la midriasi è la dilatazione della pupilla in assenza di luce che può diventare una vera e propria patologia oculare determinando fenomeni di abbagliamento. Il percorso richiede al visitatore uno sguardo che vada oltre la superficie delle cose, che coinvolga sul piano sensoriale non unicamente la vista, ma anche altre sfere della percezione, forse sopite, nell'evocazione di ricordi e stati d'animo.

In uno spazio così impegnativo come quello abitato da Praz, dove il mondo degli affetti (i genitori, la figlia Lucia) e quello della memoria si fondono (la casa raccoglie più di mille oggetti del collezionista), i rimandi visivi proposti da quadri, tessuti, statue e altre opere antiche sono stati spunto per esaltare le impressioni suscitate nell'artista da ogni ambiente vissuto, ricorrendo a un libro d'artista – La Casa della Vita, titolo omonimo del noto libro di Praz - posto all'ingresso che custodisce tra l'altro una libreria appartenuta a D'Annunzio, mentre le scatole abitate (cajas habitadas) in legno grezzo, diventano fantasiosi contenitori di colori, numeri, oggetti, odori, suoni. Per farsi occasione e sosta del sentire.

Una stanza può evocare stati di gioia, all'ingresso, turbamento creativo, nello studio, desiderio di evasione, nella sala delle biblioteche dove si può leggere uno stralcio del singolare fatto raccontato da Praz in La Casa del Ghiaccio relativo alla costruzione di una casa di ghiaccio a Pietroburgo nel 1740 per volontà dell'imperatrice Anna Ivanovna. Quest'ultima, non paga della realizzazione, volle far persino abitare la casa individuando gli inquilini nel buffone di corte e nella sua consorte, che vi trascorsero la prima notte di nozze.

A seguire ci sono le stanze dove emerge solitudine – la scatola tattile e olfattiva con sacchetti di lavanda è collocata nel luogo dove Praz consumava i pasti, di fronte a una finestra. Sullo sfondo una viuzza romana, il vicino Palazzo Altemps e il Palazzo della Scimmia.
Paura e indecisione sono i sentimenti della scelta e vivono nella stanza della figlia.
La sala da pranzo infine esprime da un lato la finitezza del corpo e della materia, dall'altro si lega al sollievo suggerito da un lampadario del Settecento a forma di mongolfiera richiamato dall'artista nelle cartoline colorate sparse sul tavolo, chiudendo il percorso della mostra con una scansione di tempo (il ticchettio di un orologio).
La casa vissuta si fa metafora della vita come viaggio e della sua fine come momento di catarsi.

Mostra in corso, fino al 23 ottobre 2011

Ingresso gratuito

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Letture e musica al Museo Napoleonico

2011-10-05T16:35:00.000+02:00

LE STANZE DEI SORTILEGI
Progetto e riduzione a cura di Sebastiano Romano - Edoardo Siravo
Itinerario poetico musicale nella collezione del Museo Napoleonico di Palazzo Primoli
Roma 8 ottobre 2011
Ore 19.30

Voci recitanti
Vanessa Gravina
Edoardo Siravo

Musicisti
Soprano Nora Tabbush
Viola da gamba   Andrea De Carlo
Clavicembalo Marco Silvi

Regia
Sebastiano Romano
Produzione Forum Grandi Eventi

“ Mario Praz ha trovato nel saggio lo strumento più adatto per esprimere il suo estro erudito, stravagante, e soprattutto animato da una curiosità che non si ferma alla superficie dei fenomeni ma mira a rintracciarne le origini e a seguirne le risonanze. E questa ricerca in lui si affina spesso in poesia: di uomini, di opere d’arte, di paesi egli sa cogliere non solo l’aspetto insolito, ma anche il significato quintessenziale, sicchè attraverso l’infinita ricchezza del suo mondo, folto come una Wunderkammer, - come uno di quegli antichi musei in cui la scienza e la fantasia si combinavano in qualcosa di ricco e di strano -, spiccano alcune linee costanti: dalla galassia emerge un nitido ordine di costellazioni. Il Praz non si ferma ai dati eruditi né ama “romanzare” la storia; sa giungere al giusto grado in cui la cultura s’alleggerisce in sogno, l’evento assurge a simbolo, senza pur perdere la sua autenticità”. Da ‘I Volti del Tempo’

Lo svolgimento della serata è tracciato dall’ideale percorso nelle stanze del museo attraverso la narrazione di frammenti letterari tratti da saggi di M. Praz, da opere di S. Gay, T. Gautier, A. Spinosa, Stendhal, A. Manzoni e da lettere di E. Duse e G. Leopardi, punteggiate da brani musicali di J.Ph. Rameau, M.P. Monteclair, C.P.R. Bach, C.F. Abel, D. Scarlatti.

Ingresso libero fino a esaurimento posti
Prenotazione consigliata allo 060608

PROGRAMMA

Prologo
Da “La casa della vita” Praz descrive la collocazione della sua “Casa” a Palazzo Primoli sede del Museo
Lettera di Duse a D’Annunzio

Sala I
Il primo Impero
Da “Gusto Neoclassico” di Praz
“Dello stile Impero”
S. Gay

Sala IV
Il Re di Roma
Da “Gusto Neoclassico” di Praz
“ La fine del Re di Roma”
E. Spinosa

Sala VI
Paolina Bonaparte
Da “Gusto Neoclassico”di Praz
“Le belle dell’epoca neoclassica”
T. Gautier

Sala VII
Il regno di Napoli
Da “Gusto Neoclassico” di Praz
“Murat Re d’armi”
Stendhal

Sala IX
Zenaide e Charlotte
Da “Gusto Neoclassico” di Praz
“Atlante della Grande Armée”
A. Manzoni

Da “Charlotte Bonaparte dama di molto spirito”
Lettere tra Charlotte e Leopardi

Epilogo

Arte nel territorio

2011-10-05T11:21:00.001+02:00

HUMANSCAPE
Artisti finlandesi in dialogo con il territorio
Spazio Museale di Palazzo Tornielli, Piazza Marconi 1 - Ameno (No)
Venerdì e sabato 15.30 – 19 | Domenica 10.30 – 12.30 |15.30 -19.00
Ingresso libero
Inaugurazione 24 settembre ore 18
25 settembre – 27 novembre 2011

ARTISTI: Teuri Haarla, Antti Laitinen, Pekka Nevalainen, Kaarina Kaikkonen, Hanna Vihriälä, Seppo Salminen con Heini Räsänen e il collettivo Mustarinda.

Inaugura il 24 settembre 2011 la mostra HUMANSCAPE, un progetto internazionale di Asilo Bianco in collaborazione con la Finnish Academy of fine Arts di Helsinki. La mostra è visitabile fino al 27 novembre nello spazio museale di Palazzo Tornielli ad Ameno e in spazi pubblici aperti, come il Parco Neogotico, con installazioni site specific.

Lo scopo dei lavori in mostra è rielaborare con linguaggi artistici diversi (performing arts, new media, installazione) l’ambiente quotidiano per un ritorno agli elementi base, in contrapposizione al tema della spettacolarità proposto dalla società contemporanea. Gli artisti finlandesi coinvolti operano all’interno di una visione aperta sull’uomo e sull’ambiente. I loro interventi sono stati costruiti in funzione dei luoghi in cui sono ospitati (Spazio Museale, installazioni open air nel Parco Neogotico) preservandone la forza dettata dalla storia umana e naturale che li ha formati. Attraverso la sua creazione, l’artista promuove così uno sguardo differente, senza pregiudizi, su elementi comuni, materiali e fenomeni della società per una nuova percezione emotiva e intellettuale, tesa a costruire un nuovo dialogo con l’ambiente naturale.

“La collaborazione con l’Accademia di Helsinki – spiega Davide Vanotti di Asilo Bianco - si è instaurata all’interno di una visione del mondo che preservi l’azione storica dell’uomo e l’ambiente naturale – continuamente tragicamente modificato – nel quale essa si perpetra. “Humanscape” è un progetto di Seppo Salminen, direttore del corso Time and Space dell’Accademia di Helsinki, nato dai colloqui avvenuti in una fase preparatoria di conoscenza e scambio attivo fra le nostre realtà. L’uomo al centro, l’ambiente al centro. Sugli stessi piani sovrapposti s’intersecano i sedimenti dell’operatività umana e i rivolgimenti muscolari dell’animale in carne e spirito chiamato Gaia”.

Parallelamente alla mostra, al fine di aumentare i punti di osservazione sulla visione ecologica contemporanea tra ricercatori del mondo scientifico e dell’universo artistico-umanisticosi, si è svolto un primo importante workshop di formazione, con una ventina di studenti provenienti da Accademia Albertina di Torino, Finnish Academy di Helsinki, École européenne supérieure d'art de Bretagne – sede di Rennes.
Il percorso formativo, è stato condotto da Seppo Salminen insieme a Monica Saccomandi di Torino, Alain Bourges e l’artista Anja Puntari.
In questa occasione è stata realizzata la copertura wireless dell’intera zona del complesso di Palazzo Tornielli (sale museale, piazza e parco).

Asilo Bianco è partner del progetto di valorizzazione Cuore Verde tra due Laghi, attivo sul territorio tra il Lago d’Orta e il Lago Maggiore, grazie al sostegno della Regione Piemonte, Fondazione Cariplo, Provincia di Novara e dei comuni aderenti.

Visite in studi di artisti per la Giornata del Contemporaneo

2011-10-03T12:09:00.001+02:00

AMACI Contemporary Art Day
Sabato, 8 ottobre 2011
h 11,00/23,00

Via di San Bonaventura, 7
Via dei Volsci, 110
Roma

Sabato, 8 ottobre, a Wish Consultancy aderisce al grande evento Giornata del Contemporaneo, promosso dall’AMACI, con l’iniziativa Atelier+Guest.
Il programma di visite in studi di artisti dal titolo ‘Atelier+Guest’ aprirà al pubblico i battenti degli atelier di artisti che hanno eletto come propria residenza o sede di lavoro luoghi inediti negli angoli più significativi della città. Curato e ideato da Stefania Brugnaletti il progetto prevede, nell’arco della giornata, che ogni artista ospiti nel proprio atelier i lavori di artisti guest, nell’intento di stimolare l’attenzione del pubblico sullo scambio di linguaggi artistici, ed individuare allo stesso tempo affini o antitetici approfondimenti di esplorazione creativa.
Le visite offrono nondimeno un momento d’incontro con artisti emergenti che hanno già ricevuto riconoscimenti e le cui opere fanno parte di importanti collezioni private o sono state esposte da istituzioni italiane e straniere.
Sono due gli spazi previsti per questa edizione: l’Atelier di fra’ Sidival Fila e l’Atelier di Valentina De Martini, ambedue rivolti a Università, Accademie di Belle Arti, Istituzioni di ricerca e formazione nel settore delle arti visive e nei campi affini. L’obiettivo è quello di favorire la visita nell’atelier ad un pubblico eterogeneo, direttori di musei, curatori, critici d’arte, artisti, architetti, studenti e collezionisti.
Sono previste visite per gruppi da 10 a 20 persone che saranno accolti e assistiti, previo prenotazione, dalla curatrice sia nella visita dei luoghi che negli incontri con gli artisti stessi.
Stefania Brugnaletti è architetto e curatrice di progetti di arte e architettura contemporanea. In occasione della Giornata del Contemporaneo si è avvalsa della collaborazione di Paola Butera, titolare della Unique ArtGallery e direttore della rivista 4aMagazine, che partecipa con la collezione “Impronte dei sensi” dell’artista Moreno Panozzo.

P R O G R A M M A

- Atelier fra’ Sidival Fila – Via di San Bonaventura, 7
fra’ Sidival Fila+Guest
Ore 11,00 apertura al pubblico con le opere degli artisti:
Gianluigi Bellucci, Flavia Bigi, Valentina De Martini, Olga Donati, Moreno Panozzo, Paola Romoli Venturi, Croce Taravella
Ore 12,30 Brunch riservato (su invito)
Ore 17,00 Fine mostra
L’atelier ubicato nel Convento di San Bonaventura, nell’area archeologica del Colle Palatino, ospiterà una interessante rassegna di opere d’arte contemporanea. L’evento espositivo rappresenta altresì un punto d’incontro per stimolare dibattiti in un dialogo aperto dalla curatrice in un confronto tra i vari artisti sulle diverse ricerche e tecniche applicate, dall’incisione alla scultura e alla pittura.

- Atelier Valentina De Martini – Via dei Volsci, 110
Valentina De Martini+Guest
Ore 11,00 Apertura al pubblico con le opere degli artisti:
Gianluigi Bellucci, Flavia Bigi, Olga Donati, fra’ Sidival Fila, Moreno Panozzo, Paola Romoli Venturi, Croce Taravella
Ore 20,00 Performance Paola Romoli Venturi
Ore 23,00 Chiusura giornata del contemporaneo
Ubicato nel quartiere di San Lorenzo, l’atelier oltre ad ospitare le opere degli artisti in una mostra collettiva propone la dinamica partecipazione del pubblico alla performance dell’artista Paola Romoli Venturi.

Prenotazione visite e appuntamenti con il curatore:
Segreteria Organizzativa
A Wish Consultancy
+39 06 3210816
info@awish.it

Giornata del Contemporaneo. Marìa Àngeles Vila Tortosa

2011-09-30T09:25:00.000+02:00

In occasione della settima edizione della Giornata del Contemporaneo la Casa Museo di Mario Praz presenta la mostra «MIDRIASIS / CAJAS HABITADAS» dell’artista Marìa Àngeles Vila Tortosa. Inaugurazione della mostra venerdì 7 ottobre alle ore 18:00.
La mostra sarà visitabile fino al 23 ottobre 2011.

Museo Mario Praz

Via G. Zanardelli, 1 - 00186 Roma
Dal martedì alla domenica, ore 09:00 – 13:00 e 14:30 – 18:30 (visite ogni ora), chiuso il lunedì
Per informazioni

06 6861089

www.museopraz.beniculturali.it

La fotografia naturalistica di Fulvio Eccardi

2011-09-28T17:46:00.000+02:00

Artista: FULVIO ECCARDI
Mostra: Quetzal
Curatore: Amanda Vertovese
Luogo: LipanjePuntin artecontemporanea
via Diaz 4 – 34121 TRIESTE
Durata: 6 ottobre – 25 novembre 2011
Inaugurazione: Giovedì 6 ottobre 2011, ore 18.00

Fulvio Eccardi, biologo e fotografo nato in Italia e naturalizzato messicano, ha dedicato gli ultimi 35 anni alla natura, sia attraverso il suo appassionato lavoro di documentazione della biodiversità del Messico che impegnandosi parallelamente sul fronte della ricerca e della divulgazione per la conservazione dell’ambiente e delle risorse naturali. Nella sua carriera di fotografo ha scattato e archiviato più di 500.000 immagini al servizio della divulgazione scientifica e culturale. Le sue foto sono apparse su innumerevoli pubblicazioni, nazionali e internazionali, di carattere scientifico, antropologico e turistico, tra cui Oasis, Airone, BBC Wildlife, International Wildlife e National Geographic.

Era il 1981 quando, per la prima volta, Fulvio Eccardi si trovava avvolto dalla densa nebbia nel bosco della Riserva della Biosfera El Triunfo, nel lato pacifico della Sierra Madre de Chiapas in Messico. Cercava di fotografare con una Kodachirome 64 ASA il più celebre abitante di questo ecosistema incantato: il quetzal.
L’impresa si presentava come una vera sfida: le cloud forest sono infatti luoghi in cui, a causa della fitta vegetazione, filtra pochissima luce e ciò che maggiormente caratterizza questi piccoli uccelli, oltre alla maestosa e lunga coda, sono l’imprevedibilità e la velocità nei movimenti. La sua esperienza di biologo gli aveva insegnato che rendere la magnifica iridescenza del piumaggio del quetzal poteva rivelarsi un’ardua impresa, poiché si correva il rischio che i suoi colori risultassero troppo artificiali. Sono passati 30 anni e l’amore per la foresta di El Triunfo, per la cui conservazione si batte da più di vent’anni, ed il quetzal non è mai tramontato in Fulvio Eccardi che periodicamente, con mezzi sempre più innovativi e sofisticati, cerca di immortalare in modo perfetto e assoluto questo piccolo e sacro abitante della dei boschi avvolti dalle nebbie.

La serie Quetzal presentata da LipanjePuntin artecontemporanea riprende insieme questa passione pluridecennale del fotografo per l’area tropicale di El Triunfo e l’unicità del quetzal (nome scientifico Pharomachrus mocinno). Questo piccolo volatile è un capolavoro della natura per il suo piumaggio caratterizzato da straordinari colori accesi ed iridescenti: la pancia è rossa, il manto è verde cangiante e il becco giallo. Le piume copritrici della coda sono la peculiarità del quetzal poiché hanno una lunghezza che può talvolta superare quella del corpo del volatile, arrivando anche oltre il metro di lunghezza.

Proprio per le sue caratteristiche piume il quetzal fu considerato divino dagli antichi Maya e dagli Aztechi, poiché era associato al mito di Quetzalcoatl, il dio serpente piumato, per l’appunto, con le penne della coda del quetzal. Tali piume si usarono per confezionare elaborati copricapi reali, ornare scudi e scettri delle antiche società mesoamericane, ma poiché uccidere un quetzal era considerato un crimine, l’uccello veniva catturato, gli venivano tolte alcune piume e poi nuovamente liberato.

Quello della cloud forest è considerato l’ecosistema più minacciato a livello mondiale e, nello specifico, quello della Riserva della Biosfera El Triunfo è il più vasto in territorio messicano e possiede una delle maggiori biodiversità nel nord e centro America. Per queste ed altre ragioni la conservazione di questa regione è di interesse primario per la comunità internazionale.

“ Fotografare la natura e la fauna selvatica è un lavoro solitario, combinato a una buona dose di gelosia professionale. Come il lavoro del pescatore che si mette in mare alle prime luci del giorno, sperando che nessun altro lo segua per non rivelare il luogo in cui pesca. La ricerca costante e l’infinita pazienza sono virtù fondamentali per entrambe le attività. La fotografia naturalistica è una disciplina che ti spinge a rimanere a lungo sul campo, ma rappresenta anche uno dei migliori strumenti per promuovere la conservazione delle specie e delle aree naturali”
Fulvio Eccardi

Il 10% del ricavo dalla vendita delle fotografie esposte in occasione di questa mostra personale sarà donato al Fondo de Conservación El Triunfo, un’associazione fondata nel 2002 che ha come missione quella di conservare le risorse naturali e promuovere lo sviluppo sociale della riserva (http://www.fondoeltriunfo.org/).

La mostra è stata realizzata in collaborazione con a. c. artport1 e con l’adesione della Casa dell’Arte.

Pic Nic artistici

2011-09-28T12:06:00.000+02:00

Sabato, 01.10.2011
dalle ore 18.00 alle ore 22.00

MAXXI
Museo nazionale delle arti del XXI secolo
YAP MAXXI
Roma - Via Guido Reni, 4a

A supernatural Pic Nic
- A site specific art project by Francesco Simeti for DROME
- A thematic soundtrack
- A supernatural dress code

Si chiude con un Pic Nic il Supernatural tour di DROME magazine: una poetica e creativa invasione nell'ideale cornice dell'installazione temporanea WHATAMI, a firma del gruppo stARTT e vincitrice del concorso YAP - Young Architects Program.

L’evento, prodotto da PHLEGMATICS e realizzato in collaborazione con il MAXXI - Museo Nazionale dalle Arti del XXI Secolo, prevede un contributo eccellente a firma di Francesco Simeti, ispirato dal tema in corso di DROME (Supernatural) e da quello che verrà (Catastrophe), per un simbolico passaggio di staffetta che è anche un ultimo, collettivo, saluto all’Estate. Il tutto accompagnato da un evocativo tappeto sonoro in tema.
Il Pic Nic ha coinvolto anche Alessi, Biscaldi - Ty Nant, Bonotto, Domori - Gruppo illy, FederBio, Germinal - Il Mangiarsano, Martini & Rossi e Moreno Cedroni.

Donne da salotto

2011-09-28T10:32:00.002+02:00

Lasciando di comune accordo Metternich e i suoi pari sulle sabbie mobili, in questi giorni vogliamo accendere i riflettori sulle donne da salotto.
Presenze vivaci e non suppellettili, alcune donne da salotto vissute tra fine Settecento e Ottocento in un'Europa fluttuante tra restaurazione politica e il segno di un nuovo corso, sono state figure di una modernità che getta nello sconcerto per il pensiero lungimirante, la condotta ribelle e indipendente, la partecipazione attiva alla vita sociale e la frequentazione di ambienti non ristretti alla loro cucina.
La consapevolezza del grande fermento culturale e di innovazione che animava l'ambiente inglese e tedesco rispetto ad aree europee più dormienti era assai diffusa e sostenuta da donne da salotto come Madame de Stäel.
In un salotto ideale, quello di una casa europea distinta e al contempo comune, per esempio viveva Sophie Gutermann La Roche, una nonna illuminata. Sophie La Roche era membro e custode di una rete intellettuale familiare e locale di grande impatto, di vasta conseguenza, di cui parleremo in seguito.
Qualche nota biografica spicciola e anticipatoria: la figlia di Sophie, Maximiliane, di straordinaria bellezza e fiamma di Goethe, andata in sposa ad Anton Brentano, un commerciante, morì prematuramente lasciando sette figli. Il nucleo dei Brentano si cristallizza così attorno alla nonna Sophie, attiva e popolare scrittrice. Il suo salotto è il luogo lecito dei giochi dei nipoti ( tra questi Clemens e l'inquieta Bettina) e delle frequentazioni con figure illustri e luminose del tempo.

Serial su Metternich

Crostata alla ricotta, polvere di cannella e cioccolato fondente

2011-09-23T14:31:00.001+02:00

Ogni stagione va accolta con un rito e accompagnata da qualche novità in cucina. Per questo caldo inizio d'autunno ho pensato a una crostata rimediata in 20 minuti di tempo libero da spendere ai miei amati fornelli.

Crostata
4 cucchiai di burro
1 tazza di farina
4 cucchiai di zucchero

1 uovo intero
½ bustina di lievito per dolci

Ripieno
200 gr di ricotta
cannella
un quadrato di cioccolato fondente (70% di cacao)
4 cucchiai di zucchero
1 cucchiaio di latte

La cannella va spolverizzata e amalgamata insieme alle scaglie di cioccolato e alla ricotta. Il ripieno dovrà essere riversato sulla base classica della crostata.
Tempo di cottura: 30 minuti circa

Eventi d'arte in Toscana

2011-09-22T15:08:00.002+02:00

Si conclude il Settembre dello Scompiglio con i seguenti appuntamenti tra performance, teatro, arte e progetti all'aria aperta. Di seguito le informazioni.

Festival Contemporanea
Prato 24, 25, 26, 27 settembre ore 22:30
Associazione Culturale Dello Scompiglio / Azul Teatro
Atto Semplice
Una composizione di Cecilia Bertoni, Carl G. Beukman e Serena Gatti
Regia, scene e raccolta testi Cecilia Bertoni
Performer Serena Gatti
Musiche, suoni e rumori Carl G. Beukman

Itinerario performativo
Tenuta Dello Scompiglio
Via di Vorno 67, Vorno (LU)
tel. 0583 971475 – 338 7884145
info.ac@delloscompiglio.org
www.delloscompiglio.org

Relazioni interpersonali
Eleonora di Marino
Ad una piazza

Caterina Pecchioli
Relazioni a catena #2
con Costanza Givone e Marie Goeminne

Barbara Uccelli
Sleeping-Beauty in Gikongoro

Apertura del Parco dalle ore 14.30
meeting point alla Fontana rotonda del Parco alle ore 16.00

Osteria Cucina Dello Scompiglio
L'osteria, subito fuori le mura della Tenuta, sarà sempre aperto dando la possibilità di pranzare, fare merenda, prendere l'aperitivo o cenare nei suoi spazi interni ed esterni.
Informazioni e prenotazioni: 0583 971473 - 338 6118730

Corso
Arti visive e performance
A cura di Cecilia Bertoni. In collaborazione con il Comune di Capannori, nell’ambito del progetto “Emersioni” per giovani dai 18 ai 25 anni.Iscrizioni: Comune di Capannoni
tel. 0583 428443/22
e.mail: progetto.giovami@comune.capannori.lu.it
www.comune.capannori.lu.it

L'arte contemporanea spiegata sul web

2011-09-22T11:30:00.000+02:00

Il MAXXI di Roma e Telecom Italia propongono nove incontri d'arte contemporanea con protagonisti d'eccezione che parlano al pubblico delle passioni, del mestiere e della visione di mondo che caratterizzano la vita come pure il lavoro in questo settore. Cominciato con Massimiliano Fuksas, l'appuntamento si rinnova ogni giovedì fino al 15 dicembre su telecom.com con altrettanti nomi legati all'arte presente: Luigi Ontani, Enzo Cucchi, Michelangelo Pistoletto, Giulio Cappellini, Olivo Barbieri, Francesco Vezzoli, Fernando e Humberto Campana, Moreno Cedroni.

La fotografia, la storia e l'impatto dell'era digitale

2011-09-22T09:41:00.005+02:00

La mostra fotografica di Annu Palakunnathu Matthew, anglo-indiana, è incentrata sulle radici e sui legami tra culture anche molto lontane. Nei tre passaggi – The Virtual Immigrant, An Indian from India, Re-Generations – l'immagine fotografica viene lavorata e trasformata dalla competenza tecnica e professionale dell'artista che ricorre per l'occasione alla fotografia lenticolare – tecnica di stampa grazie alla quale l'immagine cambia in base all'angolazione dello spettatore, alle stampe digitali realizzate ispirandosi alla tecnica dell'orotone usata nel Novecento da Edward Curtis per ritrarre i nativi d'America e consistente nel far stampare l'immagine su vetro su cui applicare in un secondo momento l'oro, e infine a foto-animazione su iPad usando fotografie estratte da album di famiglia che, sovrapposte e montate in sequenza, formano un vero e proprio video. Il mezzo espressivo - la fotografia - è parte del racconto di civiltà che entrano in contatto, in uno scambio di repertori, ruoli, costumi.

The Virtual Immigrant - una fotografia lenticolare a dimensioni naturali - fa riferimento al quotidiano di giovani indiani di un call center. In questa dimensione i lavoratori simulano un'identità occidentale. Per lavorare in questi call center gli indiani studiano la cultura americana, ne imitano l'accento, il modo di vestire. Vivono virtualmente tra più culture in modo tale da risultare altamente flessibili. The Virtual Immigrant apre così una parentesi sugli effetti della digitalizzazione e sull'impatto della tecnologia che riduce confini e distanze. Proponendo una prima valutazione di guadagni e perdite create dalla globalizzazione da un punto di vista socio-politico.

An Indian from India - dittici di stampe digitali su carta lucida, da un lato fotografie di indiani d'America e dall'altro quelle di indiani d'India - è un gioco ironico dell'artista che racconta di dover specificare di essere un'indiana dell'India e non d'America ogniqualvolta parla delle proprie origini. Tutto questo per una confusione che risale a Cristoforo Colombo che, convinto di aver scoperto a suo tempo le Indie, aveva chiamato i nativi d'America Indiani. Le fotografie che ritraggono persone in pose suggeriscono stereotipi e atteggiamenti e Annu Palakunnathu Matthew riscontra un'analogia tra il modo di fotografare i soggetti indiani da parte dei coloni inglesi e le sue immagini.

Re-Generations infine è una stimolante riflessione sul mezzo fotografico, sugli effetti e le conseguenze del suo uso nella percezione, personale e collettiva, della Storia. Una macchina del tempo che nell'era digitale spezza i confini tra passato e presente, collocandoli dentro uno spazio virtuale unico. In quest'ultima animazione tre generazioni di donne si alternano in un archivio di fotografie. Fluiscono immagini antiche e recenti in una sequenza magica e flessibile lasciando allo spettatore il tempo per chiedersi dove passato e presente si sovrappongano e si verifichi una impercettibile distorsione della storia rappresentata in quest'unica dimensione digitale.

Trofei di Formula 1

2011-09-19T08:46:00.001+02:00

In esclusiva da LipanjePuntin artecontemporanea, nell’ambito della sua mostra personale Unitas Multiplex - A New World, curata da Jonathan Turner, potrete tenere, venerdì 23 settembre, tra le vostre mani un pezzo della storia e della creatività italiana nel mondo: il prototipo, disegnato da Antonio Pio Saracino, del trofeo Eni che a Budapest lo scorso 31 luglio è stato baciato da Button, Vettel e Alonso.

Il cane a sei zampe è un simbolo della rinascita economica dell’Italia degli anni Cinquanta. Il boom e la motorizzazione di massa rendono più facile viaggiare e questo nuovo marchio, disegnato nel 1952 da Luigi Broggini in occasione di un concorso pubblicitario indetto da Eni, diventa un “amico fedele dell’uomo a quattro ruote”, secondo le parole di un felice slogan ideato da Ettore Scola.

Unitas Multiplex - A New World, la mostra che comprende le sedie prototipo, modelli e acquerelli di Antonio Pio Saracino, si arricchisce così di una novità: il trofeo disegnato dall’artista/architetto/designer per la Formula 1 e il Moto GP, che rielabora in chiave personale e raffinata il mitico simbolo del cane a sei zampe.

Nel prossimo futuro le opere di Saracino saranno ospitate da prestigiosi istituti americani, tra i quali il Design Pacific Center e l’Istituto di Cultura Italiana a Los Angeles e il Mondo Collection di New York.

L’appuntamento è per venerdì 23 settembre alle ore 18 in via Diaz 4 - Trieste.

Si ringraziano Eni/TBWA Italia.

Foto: J. Button, pilota McLaren

Settembre al parco

2011-09-16T10:11:00.001+02:00

Prosegue l'appuntamento con il Settembre dello Scompiglio. Ecco le proposte in programma per questo fine settimana in vari punti del parco.
Segnaliamo in particolare quello che succederà in cucina.

Sabato 17 e domenica 18 settembre - Cappella e altri luoghi della Tenuta
Sabato 17 apertura ore 14.30
Domenica 18 apertura ore 10.30

Performance di arti visive

Meeting point alla fontana rotonda del Parco ore 16.00

Francesca Banchelli
(Horizon) The Youngest Phenomena

Caterina Pecchioli
Relazioni a catena

Barbara Uccelli
Sleeping-Beauty in My Lai

Attività per bambini

Tree climbing
Sabato ore 14.30-18.00
Domenica ore 10.30-13.00 e 14.30-18.00

ore 15.00 al Ninfeo
Teatro della Tosse
Il Pifferaio di Hamelin
di Emanuele Conte
Regia di Enrico Campanati, con Alessandro Damerini.
Prevista l’assistenza ai bambini durante le performance di arti visive. I bambini verranno accompagnati al tree climbing e alla Cucina per la merenda (non inclusa nell'ingresso).

Sabato sera

Vj/Dj set alla Cucina Dello Scompiglio
A cura di Andrea Pochetti e Mauro Carulli
cena buffet euro 25,00 a persona

Royal rambo è un duo composto da un DJ e VJ mascherati che propongono una sessione musicale e proiezione video sempre differente nelle discoteche, canalizzando l’attenzione su temi mai trattati in una discoteca con una performance di carattere contemporaneo.
Nella serata DJ-VJ del 17 settembre allo Scompiglio verrà fatta una performance di musica e video che miscela il site specific e la magnificazione (utilizzo di microscopi digitali per generare i video proiettati) sulla base della denominazione dello Scompiglio: terra e foresta, cucina, cultura e quindi portando sotto la lente del microscopio gli elementi che ospita e contiene lo Scompiglio.
terra - verranno analizzati i terreni Dello Scompiglio
foresta - piante, semi, cortecce
cucina - verranno analizzati i prodotti del buffet o della produzione gastronomica della cucina
cultura - verranno analizzate parti delle opere istallate ( la ruggine o parti delle opere del cimitero della memoria ) e se possibile il sangue degli artisti che ne doneranno una goccia.

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In caso di pioggia le manifestazioni avranno luogo regolarmente.
Non sono ammessi cani.
Sono consigliate calzature sportive.
Ingresso
Adulti: euro 7,00

Bambini 3-12 anni: euro 5,00

Tenuta Dello Scompiglio
Via di Vorno 67, Vorno (LU)
www.delloscompiglio.org

Terraferma di Crialese

2011-09-15T09:29:00.001+02:00

Terraferma è uno di quei film che ti permette di apprezzare ancora la bellezza del cinema che sa comunicare. Il film di Crialese è un film di verità, ambientato in un contesto naturale tipico delle rotte battute dai migranti del Mediterraneo, che si apre alla contaminazione con il nuovo e lo sconosciuto.

Nella piccola isola siciliana accerchiata da un mare da sempre fonte di sussistenza per la comunità locale, cominciano, tra resistenze, dubbi e timori, nuove esperienze. La pesca non può bastare per garantire una vita migliore e vengono interpretate le speranze dei singoli di aprirsi a nuove opportunità.

Il film ha una dimensione corale nel modo di narrare la storia: lo sbarco dei clandestini, una famiglia di pescatori che accoglie e nasconde alle autorità locali una migrante e giovane madre interpretata da una donna eritrea che ha vissuto realmente la condizione della fuga, e la reazione dei turisti, che non sono del posto.

La terraferma è un porto a cui una parte dei personaggi, desiderosi di migliorare o cambiare la propria vita, ha intenzione di approdare. Per altri, nella figura patriarcale del nonno è forse più evidente, è difficile accettare l'idea che sia necessario, per salvarsi, abbandonare l'isola e la sua pur non solida sicurezza. Per via di un senso di appartenenza che lega al passato e che diventa un tutt'uno con l'identità.
In una scena molto significativa i pescatori, parlando un dialetto siciliano che fa ricordare il mondo arcano de I Malavoglia, discutono il da farsi dopo l'incontro in mare con i clandestini.
Un dialogo interessante su come conservare l'etica della salvezza.

EVENTI. Lucio Battisti e il disegno

2011-09-14T10:42:00.001+02:00

Il tratto delle emozioni è una mostra dedicata a un Lucio Battisti inedito.
Secondo racconti familiari il cantautore, dopo aver composto la sua intramontabile musica, si dedicava al disegno e alla pittura. In cucina.

La mostra che raccoglie la produzione di Battisti in questa veste insolita e sconosciuta si tiene all'Auditorium Parco della Musica.

Lucio Battisti, Il tratto delle emozioni
A cura di Gianni Borgna e Carla Ronga

Ingresso gratuito
14/09 - 2/10/2011

Il Graphic Journalism di Aleksandar Zograf

2011-09-13T07:49:00.001+02:00

SEGNALI di ALEKSANDAR ZOGRAF
(edito da FANDANGO)

Presentazione del libro e incontro con l'autore
Giovedì 15 settembre, ore 18.30
Sede: Mondo Bizzarro Gallery, via Reggio Emilia 32 c/d, Roma

Intervengono: Aleksandar Zograf (autore), Valerio Bindi (Crack fumetti dirompenti) e Cristiano Armati (Mondo Bizzarro)

Torna in Italia, con un nuovo libro, il più geniale fumettista dei Balcani. L'autore che con i suoi reportage dalla Serbia sotto le bombe ha inaugurato il "Graphic Journalism".
Nessun luogo è banale o marginale nella personalissima geografia di Aleksandar Zograf, tra i massimi esponenti internazionali di Graphic Journalism. Qualsiasi testimonianza del passato ci parla se interrogata, chiunque può essere affascinante. Questa poetica si snoda attraverso le storie contenute in questa nuova raccolta, Segnali.

Dai resoconti di viaggio, un moderno grand tour tra città piccole e grandi (con diverse tappe italiane), ai diari e le foto scovate nei mercatini delle pulci, assemblate con originalità per raccontare, o reinventare, vite passate dagli album di famiglia alle mani di sconosciuti. E ancora, attraverso interviste, ritratti di scrittori e poeti e gruppi rock più o meno famosi, bizzarri articoli di costume, cronache minori usciti sui giornali serbi il secolo scorso e reinterpretati a matita, matti di quartiere, racconti sentiti per strada.

Spesso il protagonista delle tavole è l'autore stesso, ma non si tratta di un'autobiografia a fumetti, quanto di un laboratorio di immagini e pensieri, un salutare allenamento al guardare, scandito dal ritmo chiuso della doppia pagina. Con un tratto underground che deve molto a Robert Crumb, l'autore trova sempre la scintilla per una risata, per un'inquietudine o per una domanda. Un modo di fare che deriva dalla ricchezza senza frontiere del fumetto.

Aleksandar Zograf, pseudonimo di Sasa Rakezic, è il più importante fumettista Serbo, ed uno tra gli esponenti più originali del Graphic Journalism. Nato nel 1963 a Pancevo, sobborgo industriale di Belgrado, si è affermato negli anni Novanta con fumetti sulla vita nell'ex-Yugoslavia (Life Under Sanctions) e per le sue cronache disegnate durante i bombardamenti della Nato. Le sue storie sono pubblicate in diversi paesi, tra cui Spagna, Francia, Germania, Gran Bretagna e Stati Uniti. Collabora con il sito di geopolitica "Osservatorio Balcani e Caucaso" ed è una delle firme di punta di Internazionale. Per Fandango Libri ha pubblicato Storie - in giro per lo spazio-tempo con Aleksander Zograf.

Donatella Spaziani. Major League's Dreams

2011-09-10T15:54:00.001+02:00

CIAC, Hear Me Out

Una mostra sull'ascolto visivo

2011-09-10T15:48:00.001+02:00

Liliana Moro. Ta Pum

Hear Me Out

A cura di Cecilia Casorati e Claudio Libero Pisano
Inaugurazione sabato 17 settembre 2011, ore 18.00

ARTISTI: Gabriele De Santis, Cleo Fariselli, Silvia Giambrone, Kristaps Gulbis, Donatella Landi, Eva Marisaldi, Jacopo Mazzonelli, Sandro Mele, Liliana Moro, Giancarlo Neri, Florian Neufeldt, Annie Ratti, Michele Russo, Donatella Spaziani, Cesare Viel, Spazio Visivo.

Valerio Ricci Montani
Colata Band!

Il CIAC Museum apre la programmazione autunnale con Hear Me Out, collettiva curata da Cecilia Casorati e Claudio Libero Pisano. La mostra vede coinvolti 16 artisti in una riflessione sul suono: Hear Me Out è un progetto sulla capacità dell’elemento sonoro di alterare lo spazio senza sfiorarlo, di costruire immagini dal niente; ma è soprattutto una mostra sull’ascolto e, dunque, sulla relazione privata che viene a stabilirsi tra l’opera e lo spettatore. Ascoltami bene dunque è il richiamo silenzioso (ma da un punto di vista solo visivo), che lo spazio vuole lanciare allo spettatore, sottraendogli per un momento la vista come strumento percettivo onnicomprensivo.

Ascoltare una mostra vuol dire lasciare temporaneamente da parte la coazione a guardare e aprirsi a una modalità percettiva più profonda che dà valore al senso più che all’idea. L’imperativo del titolo trova un riscontro puntuale negli ambienti e nell’architettura del Castello Colonna: sfiorati e riqualificati dal rapporto con le onde sonore. Non tutte le opere presentate si offrono infatti all’ascolto in modo diretto, ma costante nel progetto espositivo è la capacità interrogativa suscitata anche dalla sola idea di suono. Una sollecitazione che può far appello ora all’orecchio, ora a una catena di associazioni mentali oppure al movimento fisico.

Nel corso della serata inaugurale Cesare Viel realizzerà la performance, Lost in meditation.
La mostra, patrocinata dal Comune di Genazzano, è accompagnata dal catalogo di Livello4 Editrice, che sarà presentato nel corso di un secondo appuntamento. Nella stessa serata di sabato 17 settembre è prevista la performance musicale Colata Band!, che l’artista Valerio Ricci Montani ha progettato in collaborazione con la Banda Musicale Comunale di Genazzano, diretta dal maestro Enrico Silvestri. In questo lavoro l’organico bandistico eseguirà il proprio tradizionale repertorio all’interno della Colata Room, spazio utilizzato anticamente per la cenere del bucato e oggi destinato ad interventi site-specific di arte contemporanea. La stanza sarà chiusa da un cancello in ferro realizzato per questa occasione che, pur impedendo il passaggio, ne consente la vista al suo interno. I musicisti suoneranno serrati nell’ambiente ristretto della Colata, separati dall’esterno grazie al limite di una “quarta parete” che suggerisce una dialettica dentro - fuori, interiore - esteriore.

Sede
CIAC – Centro Internazionale per l’Arte Contemporanea
Castello Colonna – Genazzano (RM)
Periodo
18 settembre – 6 novembre
Orari

Su appuntamento dal venerdì alla domenica dalle ore 10-13 e 15-19
Ingresso gratuito

EVENTI. Festival Internazionale di Letteratura Ebraica

2011-09-10T11:46:00.000+02:00

Si tiene nel cuore del ghetto ebraico il Festival Internazionale di Letteratura Ebraica, nel quartiere del Vecchio Ghetto Demolito. Da sempre palcoscenico a cielo aperto e luogo di memoria che, a testimonianza di epoche e mondi diversi, si propone come punto di incontro e partenza per indagare, sempre con senso e spirito di rinnovamento, la cultura, la tradizione e l'identità ebraica.
Un percorso che, muovendo dal Talmud, si ricongiunge a scrittori e artisti israeliani contemporanei per unire storia, arte figurativa, teatro e musica.

17-21 Settembre 2011

The Bel Paese of Art

2011-09-08T07:49:00.002+02:00

ANTONIO RIELLO KFS104, 2011

The Bel Paese of Art: the Ethics and Aesthetics of the Nation

GAMeC
via San Tomaso, 53
Bergamo
September 28, 2011 - February 19, 2012
Opening: Wednesday September 28, 2011

ARTISTS: Giorgio de Chirico and Alberto Savinio, Tano Festa and Francesco Lo Savio, Gianni and Joe Colombo, Alessandro and Francesco Mendini, Gianluca and Massimiliano De Serio, Paola and Rita Levi Montalcini, Giacomo Trecourt, Enzo Cucchi, Maurizio Cattelan, Alighiero Boetti, Mona Hatoum, Claudio Parmiggiani, Flavio Favelli, Alice Guareschi, Luciano Fabro, Claudia Losi, Salvo, Gino De Dominicis, Vettor Pisani, Piccio, Alberto Garutti, Aleksandra Mir, Nan Goldin, Kiki Smith, Antonio Riello, Vanessa Beecroft, Mario Cresci, Claire Fontaine, Alterazioni Video, Tobias Zielony, Mimmo Jodice, Giuseppe Bartolini, Giuseppe De Nittis, Giovanni Migliara, Giovanni Iudice, Mario Gozzi, Ippolito Caffi, Francesco Guardi, Pietro Roccasalva, Maurizio Cattelan, Enzo Umbaca, Paola Di Bello, Michelangelo Pistoletto, Salvo, Gang Song Ryong, Andrea Mastrovito, Matteo Rubbi, Marco Colombaioni, Gianni Di Rosa, Tobias Rehberger, Cesare Viel, Luca Vitone, Gabriele Di Matteo, Patrick Tuttofuoco, Elisabetta Benassi, Enzo Bassotto, Sislej Xhafa, Gino De Dominicis, Steven Claydon, Rossella Biscotti, Letizia Battaglia, Alfredo Jaar, Tullio Pericoli, Yan Pei-Ming, Giuseppe Luigi Poli, Giuseppe Diotti, Giuseppe Gaudenzi, Antonio D’Este, Mario Dondero, Democrito Gandolfi, Frédéric Xavier Liwer, Gianfranco Ferroni, Giacomo Manzù, Francesco Messina, Mimmo Paladino, Piccio, Enrico Scuri, Loredana Di Lillo, Renato Guttuso, Armin Linke, Marco Cingolani, Antonella Mazzoni, Francesco Arena, Elmgreen&Dragset, Emilio Isgrò, Teofilo Patini, Cesare Tallone

Curated by Giacinto Di Pietrantonio and Maria Cristina Rodeschini, the exhibition will showcase the image of Italy around the world, in the multiplicity of its visual expressions from cinema to art, literature, design, and both the elite and pop culture, as viewed through 200 works by Italian and international artists. There will also be “things and events” from the 19^th century to our own era, such as the writings of Rita Levi Montalcini that earned her a Nobel Prize.

The exhibition, being staged to celebrate the 150^th anniversary of the Unification of Italy, will demonstrate the decisive influence of artistic creation on the practical organization of the country’s social life, above all in the past century and a half of history. The Bel Paese of Art will thus offer significant historical examples, such as the portraits of approximately 200 Garibaldians from the Bergamo area who took part in the Expedition of the Thousand, or a series of caricatures of members of the Italian Parliament, sketched by Senator Tecchio on parliamentary letterhead in the late 19^th century. In these works, memory captured by art is reflected as the convergence of past and present in ethics and aesthetics, in related fields such as architecture and design as well as very different ones such as the local landscape, religion and politics.

Each room will also showcase objects – votive offerings, sports trophies or books become icons of the Italian identity. Indeed, their presence will establish a comparison between the pure ideal of avant-garde art and the testimony of spontaneous, popular or industrial creativity.

The exhibition will also investigate the idea of country or nation and the cultural, social and aesthetic processes that have characterized its formation. As opposed to other European nations, in Italy the main unifying culture element has been art or, rather, the arts. Hence the exhibition title The Bel Paese of Art, as Italy is a place of excellence for its continuity and unique aesthetic touch.

(...) Italy: For Grace Received will present works drawn from religious iconography, in which the language of contemporary art meets the tradition, history and culture of popular festivals. The leading figure is that of the Virgin, often a source of inspiration for artists such as Gino De Dominicis, Vettor Pisani, Piccio, Alberto Garutti, Aleksandra Mir, Nan Goldin, Kiki Smith, Antonio Riello and Vanessa Beecroft, in a dialogue with a series of votive offerings.

Linguaggio e relazioni interpersonali

2011-09-05T17:47:00.001+02:00

Performance di arti visive

Relazioni interpersonali

a cura di Angel Moya Garcia

Lo Schema di Johari, inventato nel 1955 da Joseph Luft e Harry Ingham e collegato principalmente ad aspetti della comunicazione intersoggettiva, prova a definire le relazioni interpersonali tra gli individui in quattro quadranti basati su due dimensioni. In quest’ottica, sette artiste sono invitate a lavorare sui rapporti intersoggettivi. Dalle riflessioni sulla propria identità e il rapporto con la realtà circostante ai dispositivi della comunicazione quotidiana nella collettività. Addentrandosi in una o più aree di questo quadrante, valicando i labili confini che le dividono, accentando lo schema, capovolgendolo, reinterpretandolo o annullandolo attraverso il linguaggio performativo.

Cappella e altri luoghi della Tenuta - dalle ore 16.00
sabato 10 e domenica 11

Roberta Cavallari
Restando Umani
da un progetto di Lucia Anselmi e Roberta Cavallari

Valentina Vetturi
Un esilio

Corinna Conci
Io non sarei io se non ci fosse un tu

Barbara Uccelli
Sleeping-Beauty in Srebrenica
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Arti visive
Nella vigna abbandonata: Il Cimitero della Memoria (mostra collettiva)

Nella Cappella e nel Parco: opere di Jannis Kounellis, Maurizio Nannucci, Alfredo Pirri
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Tenuta Dello Scompiglio
Via di Vorno 67, Vorno (LU)

Poesia italiana contemporanea: Patrizia Cavalli

2011-09-05T15:47:00.000+02:00

Speriamo che perdano.
Se vincono faranno molto rumore.
Però anche se perdono faranno rumore.
Non so cosa sperare.

È terribile vivere in un posto
dove non si sa cosa sperare.

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Poggiata a un davanzale davanti ad una strada
vuota a quest'ora quasi di campagna
cosa racconto io? racconto l'aria.
L'aria che cerco, quella che trovo,
che torna in visita per farsi riconoscere,
un'aria semplice, composta, delicata,
aria dimenticata, che sempre quando arriva
mi trova impreparata.

Patrizia Cavalli, Pigra divinità e pigra sorte

EVENTI. Fotografia d'Autore al SIFEST

2011-09-01T18:26:00.000+02:00

Silvia Camporesi. Acqua/Aria. Censimento 2010

SIFEST - Savignano Immagini Festival

9-25 Settembre 2011
Savignano sul Rubicone (FC)

A cura di Giulia Zorzi/MiCamera

Savignano Immagini Festival propone lafotografia d'Autore al centro di una serie di eventi riguardanti questo codice espressivo come linguaggio d'arte dellacontemporaneità. Nel ricco calendario spazio a mostre,videoproiezioni ed happening dedicati alla fotografia.

Euan Macdonald: between music and noise

2011-09-01T17:51:00.000+02:00

Euan Macdonald
THE GREAT TIDAL WAVE PLAYED A FINAL TUNE ON THIS PIANO

13th September – 22nd October 2011
Galleria S.A.L.E.S.

“To crudely paraphrase traditional information theory, noise is an interference or error in the transmission of a message!..beginning as a kind of music video that highlights the piano’s capacity to produce industrial grade noise through a maddening, repetitive, mindless, arrhythmic and atonal pounding of its keys, it ultimately leads us to reflect on the intimate relationships between information and noise, order and disorder, on which the novelty of art depends.” Ralph Rugoff, Director of the Hayward Gallery, in his essay “Responsiveness Testing.” from Macdonald’s book 9,000 Pieces published by YBCA in San Francisco. Available at Galleria S.A.L.E.S.

The exhibition title The Great Tidal Wave Played a Final Tune On This Piano, comes from a message that was written on an old photo-postcard of an abandoned piano that was washed up on a Hawaiian beach by a tidal wave in 1946.
Throughout this exhibition Macdonald explores how noise becomes evident as different forms of interruptions of signals and messages. The exhibition involves early messaging systems such as postcards as well as other types of organizational structures such as language, as well as musical notation, the system used to represent the aurally perceived music.
In this case, Macdonald attempts to use musical notation to represent and organize the noise from a factory piano testing machine featured in his video 9,000 Pieces. 9,000 Pieces features a “Repetition and Responsiveness” testing machine that was shot by the artist at a musical instrument factory on the outskirts of Shanghai, China in 2010.
During the course of the five minute video Macdonald carefully documents the various moving parts of a factory machine designed to test the endurance on the products it manufactures. In a sense the testing machine compresses time as it simulates a life time of use on the instrument.
Recent exhibitions include the solo show 9,000 Pieces, Yerba Buena Center for Contemporary Art, San Francisco, 2011; TAKE THE DARK OUT OF THE NIGHT TIME, Arrow Projects, Beijing, 2010.

Galleria s.a.l.e.s.
Via dei Querceti 4/5
Roma
www.galleriasales.it

La torta neutra allo yogurt

2011-08-30T09:49:00.000+02:00

Come salutare il caldo insolito di questo agosto, lo stile alimentare rilassato e l'ozio estivo? Con un dolce dal sapore neutro. Ecco gli ingredienti di questo esperimento commestibile.

Ingredienti

2 vasetti di yogurt magro
1 tazza di farina
1 tazza di zucchero
4 uova separate
80 gr di burro
1 bustina di lievito
1 cucchiaio di fecola di patate
mezzo cucchiaio di succo di limone

Lavorare gli albumi a parte.
Preparare il composto con il resto incorporando gradualmente gli ingredienti.
Per il centro della torta la decorazione prevede:

1 mela tagliata a spicchi

una spolverata di cannella.In base ai gusti, si può optare anche per una glassa leggera al limone.

Tempo di cottura: 40 minuti circa.

Bulgakov. L'incanto dei sensi, il sogno dell'eternità e... il gatto con gli stivali

2011-08-29T18:37:00.002+02:00

« I calzoni non sono adatti a un gatto, Messere » rispose il gatto con molta dignità. « Non vorrà anche ordinarmi di mettere gli stivali? Gli stivali si usano solo nelle favole, Messere ».
Michail Bulgakov, Il Maestro e Margherita

Il capolavoro di Bulgakov (pubblicato postumo nel 1966-67) è un vero mosaico narrativo di personaggi, eventi disparati che dal caos iniziale si ricompongono, gradualmente come pezzi di una stessa trama, fino alla rivelazione del gioco di finzioni e magie che sono alla base delle vicende che coinvolgono il mago-professore Woland e il suo seguito di incantati – la coppia di amanti a cui si deve il titolo del romanzo, insieme all'intera cittadinanza moscovita - e incantatori – un gatto nero intrigante grande quanto un ippopotamo e altri mefitici aiutanti.

In un certo senso Bulgakov smaschera, in un turbinio di scene che di primo acchitto rasentano l'inverosimiglianza da un punto di vista logico-razionale, caratteri e tipi della società russa radicati tanto nel mondo politico e civile che in quello intellettuale di allora. Di preciso più i vizi che le virtù che li contraddistinguono. Tutto questo avviene ricorrendo a espedienti e voli, non solo pindarici, di figure umane e animali che tanto ricordano i quadri di Marc Chagall in quella forma di bizzarro e sognante accostamento di oggetti inanimati, animali e persone su luoghi impensabili ad occhi aperti, proprio come avviene nella dimensione nottorna e onirica di ognuno.

Al suo interno i due romanzi in parallelo (quello su Ponzio Pilato di cui autore è il Maestro e quello di Bulgakov) affiancano Gerusalemme alla Mosca sovietica. Rimane, al di là del discorso apparentemente religioso, il tema di una tensione umana spirituale a cedere o vincere la tentazione, rappresentata per simboli o personificata in figure del male, per conquistare la via della redenzione dalla colpa e dalla condizione terrena.

Zia Mame e la società americana degli anni Venti

2011-08-29T13:22:00.000+02:00

Zia Mame è un caso editoriale americano degli anni Cinquanta, costruito per soddisfare, accanto alle esigenze di mercato, l'espressione letteraria di un personaggio destinato a un successo fulminante, confermato da uno spettacolo a Broadway. La stravagante zia Mame divenne, in breve tempo, anche un'icona gay.

L'autore, Edward Tanner Everett III, condusse una vita fuori dall'ordinario tanto quanto la straordinaria zia protagonista del libro. Lo scrittore adoperò vari pseudonimi nel corso della sua carriera (per Zia Mame quello di Patrick Dennis, che coincide con il nome di un personaggio e narratore) e promosse le uscite dei suoi libri con interventi originali e mirati: tra gli altri, lettere ai librai e un minimusical improvvisato a una convention editoriale (M. Codignola, Zia Mame e “Cedie” in P. Dennis, Zia Mame, Adelphi). La vita avventurosa di Tanner Everett III si concluse abbandonando le vesti di scrittore, calandosi nella parte del maggiordomo al servizio di ricche famiglie americane, tra cui i proprietari della catena del McDonald's.

Nel libro Patrick Dennis, orfano con una buona rendita, trascorre gli anni della crescita e della formazione insieme a una parente che fa di tutto per sfidare, non solo a parole, standard e stili di vita definiti dal perbenismo e dal proibizionismo della società americana degli anni Venti.
Lettrice instancabile di letteratura, ispirata da Freud, dalle filosofie orientali e dalle più innovative teorie di puericultura, la svitata zia Mame cambia (fatta eccezione di Ito, il sorridente maggiordomo giapponese al suo servizio): casa, vestiti, mestieri, e ruoli con una leggerezza sorprendente, folle e nello stesso tempo irresistibile. La caratteristica più piacevole di questa lettura è la coinvolgente empatia che, nelle varie situazioni, riesce ogni volta a scatenare, in una specie di fiction letteraria... contro il gusto diffuso della convenzione.

Antonio Riello. ASHES TO ASHES

2011-08-02T09:33:00.000+02:00

Antonio Riello. ASHES TO ASHES

Glasstress 2

2011-08-02T09:29:00.001+02:00

GLASSTRESS 2

Palazzo Cavalli-Franchetti (Campo Santo Stefano)
Fornace Berengo (Campiello Pescheria, Murano) - VENEZIA - Italy

June 4 - November 27, 2011

ARTISTS: PIEKE BERGMANS, DOMENICO BIANCHI, ERNEST BILLGREN, JOOST VAN BLEISWIJK, BARBARA BLOOM, MONICA BONVICINI, TONY CRAGG, KIKI VAN EIJK, JAN FABRE, KENDELL GEERS, 5.5 GROUP, CHARLOTTE GYLLENHAMMAR, ZAHA HADID, PAULA HAYES, JAIME HAYON, YUICHI HIGASHIONNA, MAGDALENA JETELOVA, LIU JIANHUA, MICHAEL JOO, MARYA KAZOUN, KOSTANTIN KHUDYAKOV, MICHAEL KIENZER, MARTA KLONOWSKA, TOMÁ LIBERTINY, ATELIER VAN LIESHOUT, JERRAM LUKE, MASSIMO LUNARDON, URS LÜTHI, VIK MUNIZ, NABIL NAHAS, ATELIER TED NOTEN, TONY OURSLER, ANNE PEABODY, JAVIER PÉREZ, JAUME PLENSA, RECYCLE GROUP, ANTJE RIECK, ANTONIO RIELLO, BERNARDÌ ROIG, URSULA VON RYDINGSVARD, THOMAS SCHÜTTE, ANATOLY SHURAVLEV, DOUG & MIKE STARN, PATRICIA URQUIOLA, KOEN VANMECHELEN, PHARRELL WILLIAMS, FRED WILSON, ERWIN WURM, SHI YONG, TOKUJIN YOSHIOKA, HUAN ZHANG, YI ZHOU

CURATORS: Adriano Berengo, Bonnie Clearwater, Lidewij Edelkoort, Peter Noever, Demetrio Paparoni

The installation ASHES TO ASHES (a “library” made by 28 books turned in ashes) presents a deeply individualised act of absent biblioclasm: the aftermath of a highly personal intellectual intervention. Riello ceremonially burned personally influential works of literature in his studio, reducing them to illegible ashes. Their charred remains lie interred in bespoke glass urns.

Istituto Veneto di Scienze Lettere ed Arti
Palazzo Cavalli Franchetti
Campo Santo Stefano 2945
Venezia

Berengo Centre for Contemporary Art and Glass
Campiello della Pescheria
Murano - Venezia